نقاشی گل

آموزش نقاشی گل از صفر تا صد با 15 ویدیو کودکانه+ 30 نمونه

آموزش نقاشی گل از صفر تا صد با 15 ویدیو کودکانه+ 30 نمونه
https://honarfardi.com/wp-content/uploads/2021/12/word-image-69.jpeg

از لذت ها میتواند تزئین صنایع دستی برای خود و اعضای خانواده باشد؛یکی از این موارد نقاشی است و نقاشی طبیعت از جمله این موارد محسوب میشود ؛پس از تسلط بر این تکنیک‌های فوق‌العاده ساده میتوانید یاد بگیرید که چگونه گل هایی زیبا ترسیم کنید!
چه بخواهید چیزی برای خود بسازید یا به یک ایده برای هدیه دادن نیاز داشته باشید، می توانید نقاشی گل را در حالی که چیز جالبی درست می کنید یاد بگیرید. اگر مبتدی هستید نیز نگران نباشید.
دانلود دروس آموزش نقاشی گل (برای کودکان)

برای دانلود هر درس کافی ست روی آن کلیک کنید. یا اگر پخش شد، روی علامت سه نقطه پایین سمت راست ویدیو کلیک و گزینه Save را بزنید.
هر لینکی کار نکرد در بخش نظرات اعلام کنید تا مشکل رفع شود. (یا به پیج منبع مراجعه کنید)

دروس آموزشی:

برای کودک دلبندتان: 20 الگوی جذاب نقاشی برای کودکان که آنها را عاشق نقاشی می کند!
نمونه های عالی از نقاشی گل (می توانید پرینت بگیرید و روی آنها تمرین کنید)
برای بزرگنمایی هر تصویر روی آن کلیک کنید:

در کنار این مطلب دانلود کنید: آموزش نقاشی دیجیتال از صفر تا صد با 15 درس رایگان
15 نکته برای نقاشی گل (ویژه حرفه ای ها)
شماره 1 -موضوع مناسب را انتخاب کنید
انتخاب سوژه ها در هر فصل ،تاثیر واقعی بر هنر گیاه شناسی شما خواهد گذاشت .به عنوان مثال، اگر گل های تابستانی را انتخاب می کنید، می توانید گل های آفتابگردان را به عنوان موضوع خود انتخاب کنید .
شماره 2 -تُن رنگ color tones
برای به تصویر کشیدن فرم سه بعدی سوژه بر روی کاغذ ،حداقل از سه شدت رنگ تیره، متوسط و روشن استفاده کنید. نور خوب هم یکی از ملزومات است .ناحیه تُن میانی جایی است که رنگ واقعی یک سوژه را خواهید دید .همیشه به دنبال درجه ساده ای از تُن رنگ روشن به تاریک باشید .
شماره 3-گل های تازه برای موضوع انتخاب کنید (تا نقاشی تان هم تازه به نظر برسد)
قرار گرفتن گل‌های تازه در مقابل شما به عنوان یک نقاش آسان است، اما باید مطمئن شوید که میتوانید گل‌ها را برای تازه و با طراوت نشان دادن آنها به عنوان پایه نقاشی تان به تصویر بکشید .
شماره 4-روی نقطه ی کانونی (focal point) تمرکز کنید
تصمیم بگیرید که کدام قسمت نقطه کانونی برای نقاشی شما مناسب است. آن را ابتدا سفید نگه دارید و بعد از اینکه بقیه بخش های نقاشی تمام شد، در آخر روی قسمت سفید وقت مفصل بگذارید و جزئیات را به آن اضافه کنید.
شماره 5 -برس خود را به درستی انتخاب کنید
هنگام رنگ آمیزی گلها به یک قلم موی خوب نیاز دارید. هنگامی که با قلم مو رنگ را برمی دارید، قلم مو را بین انگشت شست و سبابه خود بچرخانید تا نقطه درستی به دست آورید. همیشه برس را به سمت خود بکشید تا موها شکسته نشوند. یک برس خوب ارزش سرمایه گذاری را دارد.
شماره 6 -خودتان را به چالش بکشید
به رنگهای سرد و گرم زرد، قرمز و آبی نیاز دارید. با افزودن رنگ های اضافی می توانید رنگ های مشکی مختلفی درست کنید. اجازه دهید رنگ قبل از اعمال لایه های جدید خشک شود و با یک برس مرطوب مخلوط کنید.
شماره 7 -اضافه کردن بافت یا همان Texture
برگ های گل پیچیده هستند. برای به دست آوردن درخشش بالایی که در برخی از برگ ها یافت می شود، نباید در پایان به استفاده از گواش سفید اعتماد کنید. برای دستیابی به بهترین درخشش براق، ناحیه باید کاملا سفید باقی بماند. برای افزودن بافت، برای داشتن برگ‌های پر مو یا ناهموار، از حرکات برس خشک در اطراف نواحی برجسته استفاده کنید.
شماره 8 -همیشه به دنبال سوژه های جدید باشید
فقط روی یک نوع گل خاص تمرکز نکنید، به عنوان یک نقاش هنری، همیشه باید به دنبال مدلهای گل جدید باشید تا هم دستتان قوی شود و هم با ساختار گل های مختلف آشنا شوید.
نقاشی فانتزی: آموزش 20 نقاشی با 20 ویدیو
شماره 9 -از مایع پوشاننده استفاده کنید Masking Fluid
هنگام رنگ آمیزی پرچم گلهای ظریف مانند زنبق یا هلیبور یا رنگ آمیزی گلبرگها، ناحیه را با مایع پوششی سفید نگه دارید. نواحی گلبرگ را خیس کنید و اطراف پرچم را به رنگ گلبرگ رنگ کنید. مایع رنگ را به داخل آن می کشد و از پرچم دور می کند. مایع پوشاننده را پاک کنید و با یک برس کوچک روی گواش کار کنید و در آخر جزئیات را به پرچم اضافه کنید.
شماره 10 -پاشیده شدن
این تکنیک در گل های پراکنده آن گل ها در باغ یا مزارع با طیف گسترده ای از رنگ ها، بافت ها و طرح ها استفاده می شود. برس خود را با رنگ ها به منظور جمع آوری تصاویر گل مانند بپاشید .
شماره 11 -سبزها را اضافه کنید
به عنوان مثال، رنگ قهوه ای مایل به زرد خام را با آبی مخلوط کنید تا سبزهای زیبا و کم رنگ درست کنید که برای سطح زیرین برگ ها مفید است .یکی دیگر ترکیب خوب زرشکی است که به سبز اضافه شده است که در نتیجه یک سبز مایل به ارغوانی لطیف ایجاد می کند که برای جوانه ها عالی است.
شماره 12 -نکات جالب نقاشی را برجسته کنید
اگر می‌خواهید نقاشی چشمگیر داشته باشید، روی برجسته نگه داشتن هایلایت‌هایتان تمرکز کنید . می توانید با پاک کردن آبرنگ مرطوب با دستمال کاغذی یا برس تمیز و مرطوب ،هایلایت های ملایم تری را از بین ببرید .یک کاغذ سفید درخشان می تواند هایلایت های روشن را تضمین کند ،اما افزودن یک گواش سفید در پایان به همان اندازه موثر است .
شماره 13 -لبه های سخت درست نکنید
اگر نمی خواهید شکل به لبه سفت ختم شود، کاغذ یا دستمال کاغذی را خیس کنید و دور آن را برس بکشید. به این ترتیب رنگدانه در اطراف لبه ها جمع نمی شود و ظاهر بسیار نرم تری خواهید داشت.
حتما باید اصول رنگ و نور را بلد باشد-برای یادگیری کامل آنها کافی ست این مطلب را بخوانید
شماره 14 -بیرون از منزل بروید
نقاشی بیرون از خانه در محیطی تمیز و سبز می تواند به آرامش روحیه شما در یک نقاشی کمک کند. اثر آرام بخش طبیعت همیشه به شما سکوت و تمرکزی را می دهد که برای به پایان رساندن کار هنری خود به آن نیاز دارید.
شماره 15 – زیر رنگ برای عمق Underpaint for depth
رنگ زیر رنگ قوی کلید هر چیز دیگری است. یک زیر نقاشی مناسب نه تنها محدوده تونال تصویر را از تاریک ترین مناطق گرفته تا روشن ترین نقاط روشن می کند، بلکه با انجام این کار، عمق و پرسپکتیو ایجاد می کند.

نقاشی فانتزی

نقاشی فانتزی: آموزش 20 نقاشی با 20 ویدیو رایگان

نقاشی فانتزی: آموزش 20 نقاشی با 20 ویدیو رایگان
https://honarfardi.com/wp-content/uploads/2021/12/word-image-54.jpeg

نقاشی سبک‌ها و روش‌های مختلفی دارد که برای منظورهای مختلف استفاده می‌شود. اما یکی از این نوع نقاشی‌ها، نقاشی فانتزی است که در سال‌های اخیر ابداع شده و شاید بتوان منشأ پیدایش آن را شرق آسیا دانست. نقاشی فانتزی مثل برخی سبک ها در آموزش موسیقی نوین است و با ایجاد نوآوری تلاش دارد تا مسیرهای جدیدی را خلق کند. در این سبک نقاشی، اجزای طرح به‌صورت سمبلیک اما غیرواقعی نقاشی می‌شود.
کارتون‌های آسیایی را قطعاً دیده‌اید، شخصیت‌هایی با چشم‌های گرد، موهای متفاوت و اندامی شبیه انسان که جزئیات آن تغییر کرده است. یکی از نام‌هایی که روی این سبک نقاشی می‌گذارند انیمه ‌Anime است. انیمه در حقیقت یک سبک طراحی با دست یا کامپیوتر است که ابداع آن از ژاپن شروع شده است.
با دیدن یک نقاشی فانتزی می‌توانید پی ببرید که به یک انسان نگاه می‌کنید یا یک حیوان. شاید حتی نوع حیوان را نیز بتوانید حدس بزنید، اما ازنظر جزئیات با نقاشی رئال آن تفاوت‌های بسیاری دارد.
نقاشی فانتزی کودکانه
در کودکی همه‌ی ما دفترهایی داشتیم که طرح‌هایی ساده و سیاه ‌و سفید در آن نقاشی شده بود و باید با مداد رنگی آنها را رنگ می‌کردیم. شاید این طرح‌ها اولین قدم از نقاشی فانتزی بود که با آن آشنا شده‌ایم، اما امروز رفته‌رفته این طرح‌ها حرفه‌ای‌تر می‌شوند و شخصیت‌های مختلف برای نقاشی، بازی‌های رایانه‌ای و حتی کارتون‌ها و انیمیشن‌ها خلق می‌گردد.در زیر چند نمونه از نقاشی فانتزی کودکانه را می‌بینیم.

به عنوان یک نقاش دیجیتال حتما ببینید: 27 تا از نقاشی های معروف دنیا (و داستان آنها)
نقاشی فانتزی دخترانه
یکی دیگر از کاربردهای این دست نقاشی‌ها بیان احساسات است که در گذشته‌های دور و دوران باستان این مدل طراحی را نمی‌دیدیم. اما امروز این نقاشی‌ها جای خود را باز کرده‌اند و در محصولات و برنامه‌های مختلف برخی از این طراحی‌ها فانتزی را مشاهده می‌کنیم. در این مثال‌ها می‌توانید مشاهده کنید که اندیشه‌های مدرنیته و حتی گاهی پست‌مدرن با طراحی کلاسیک ادغام شده و نتیجه‌ی خروجی شمایل متفاوتی را خلق کرده است. هیچ انسانی چشم‌های گرد و یا گوش‌های گربه‌ای ندارد، اما در این نوع نقاشی‌ها ترکیب عناصر مختلف با آزادی انجام می‌شود و قواعد اندام و اشیاء به‌دلخواه تغییر می‌کند.
در این نقاشی‌ها که اصطلاحا به آن نقاشی فانتزی دخترانه گفته می‌شود، احساسات فرد نقاش در قالب تصویرسازی بیان می‌شود. محبوب‌ترین نوع این طراحی‌ها، بیان عشق، محبت، شادی، غم و تنهایی است.

حتما باید اصول رنگ و نور را بلد باشد-برای یادگیری کامل آنها کافی ست این مطلب را بخوانید
استفاده از انیمه در کارتون و سریال
کشورهای شرق آسیا روزبه‌روز استفاده از این تکنیک را پیش می‌برند و شخصیت‌های خلق‌شده توسط این روش طرفداران بسیاری پیدا کرده است. تا جایی که تصاویر بی‌جان به کارتون‌ها و سریال‌های کودکان رسیده است. در سال‌های اخیر حتی برخی از برنامه‌هایی که برای نوجوانان و جوانان نیز طراحی شده است از این سبک پیروی می‌کند.
طراحی انیمه‌ها و نقاشی‌های فانتزی به انیمیشن‌های غرب نیز رسیده و در بسیاری از موارد به‌جای استفاده از شخصیت‌ها با چهره‌هایی با جزئیات واقعی از حالت فانتزی استفاده می‌شود. به‌عنوان‌مثال برخی شخصیت‌های انسان شرکت دیزنی در ابتدا جزئیات بصری بیشتری از انسان‌ها داشتند، اما امروز برخی آثار آنها با نگاهی کلی‌تر و انیمه‌ای خلق می‌شوند.

حتما بخوانید: 31 مفهوم ترکیب بندی در نقاشی
دانلود دروس آموزش نقاشی فانتزی

برای دانلود هر درس کافی ست روی آن کلیک کنید. یا اگر پخش شد، روی علامت سه نقطه پایین سمت راست ویدیو کلیک و گزینه Save را بزنید.
هر لینکی کار نکرد در بخش نظرات اعلام کنید تا مشکل رفع شود. (یا به پیج منبع مراجعه کنید)

دروس آموزشی:

در کنار این مطلب دانلود کنید: آموزش نقاشی دیجیتال از صفر تا صد با 15 درس رایگان
نمونه های عالی از نقاشی فانتزی (می توانید پرینت بگیرید و روی آنها تمرین کنید)
برای بزرگنمایی هر تصویر روی آن کلیک کنید:

نقاشی دخترانه

آموزش نقاشی دخترانه از صفر تا صد با 20 ویدیو رایگان

آموزش نقاشی دخترانه از صفر تا صد با 20 ویدیو رایگان
https://honarfardi.com/wp-content/uploads/2021/12/word-image-60.jpeg

طراحی و رنگ‌آمیزی تصاویر برای بیش‌تر افراد سرگرم‌کننده و جذاب است مخصوصاً رنگ‌آمیزی و نقاشی دخترانه از محبوبیت زیادی برخوردار است و بیش‌تر افراد به این سبک از نقاشی علاقه دارند..
نکات کاربردی نقاشی دخترانه
نقاشی دخترانه همچنین دارای تنوع و گوناگونی مختلفی است و اگر به این نوع از نقاشی علاقه دارید توصیه می‌کنیم ابتدا از روی طرح‌های نقاشی دخترانه ساده الهام گرفته و نقاشی خود را شروع کنید بعدازآن می‌توانید سطح نقاشی خود را بالابرده و نقاشی سخت دخترانه و جالب‌تری را ترسیم کنید.
یکی از بهترین روش‌هایی که می‌توانید کودکان مخصوصاً دختربچه‌ها را سرگرم کنید این است که به آن‌ها نحوه رنگ‌آمیزی نقاشی‌های دخترانه را یاد دهید. رنگ‌آمیزی نقاشی‌های مختلف باعث می‌شود ذهن کودکان درگیر این فعالیت شده و تمرکز بالایی را روی آن بگذارند.

رنگ‌آمیزی نقاشی‌های دخترانه یکی از کارهای جذابی است که کودکان می‌توانند آن را انجام دهند بهتر است در زمان کشیدن نقاشی‌های دخترانه از کودک خود بخواهید تا از رنگ‌های شاد و روشنی برای رنگ‌آمیزی استفاده کند البته باگذشت زمان سعی کنید انتخاب رنگ‌های نقاشی را به خود کودک بسپارید و بگذارید او هر رنگی که مایل است را در نقاشی‌اش استفاده کند. آزاد گذاشتن کودک و دادن حق انتخاب در این مسئله باعث افزایش خلاقیت کودک در نقاشی دخترانه می‌شود.
اکثر نقاشی‌های دخترانه دارای تصاویر بی‌نظیر و شگفت‌انگیزی هستند البته طبیعی است که در نقاشی‌های دخترانه نیز طرح‌های مختلفی را مشاهده می‌کنیم برای مثال بعضی از این نقاشی‌ها مخصوص دختران کم سن و سال، برخی برای قشر سنی نوجوان و بقیه برای افراد جوان و بزرگ‌سال است.رنگ‌آمیزی این نقاشی‌ها نیز می‌تواند دارای سبک‌های مختلفی باشد و هر طراح بسته به سلیقه خود می‌تواند رنگ‌آمیزی متفاوتی را برای نقاشی خود انجام دهد.

نقاشی‌های دخترانه موضوعات مختلفی رادارند اما بیش‌تر آن‌ها طراحی‌های زیبا و فانتزی را شامل می‌شوند. این نوع از نقاشی بسیار محبوب است و طرفداران خاص خود را دارد اما می‌توان گفت دختران بیش‌ترین طرفدار این نوع نقاشی‌ها هستند.
همچنین می‌توان گفت رنگ‌آمیزی در این نوع نقاشی نیز می‌تواند دارای سبک‌های متفاوتی باشد. در حالت کلی باید گفت چندین نوع مدل از تکنیک‌های نقاشی وجود دارد که فارغ از موضوع نقاشی می‌توان با آن روش‌ها نقاشی کرد.
حتما باید اصول رنگ و نور را بلد باشد-برای یادگیری کامل آنها کافی ست این مطلب را بخوانید
برای مثال شما می‌توانید نقاشی با سبک دخترانه را با تکنیک‌های رنگ‌روغن، آبرنگ، نقاشی پاستل، آکریلیک، دیجیتالی، کلاژ، مداد رنگی، سیاه‌قلم و غیره طراحی کنید و هرکدام از این سبک‌ها بسته به نوع خود می‌توانند به‌صورت رنگی و یا سیاه‌وسفید باشند. شما می‌توانید طبق سلیقه و مهارت خود از تکنیک‌های ذکرشده برای نقاشی‌های دخترانه استفاده کنید. پیشنهاد می شود از انواع اسباب بازی پازل و ساختنی هویو دیدن فرمایید.

روانشناسی رنگ مطالعه تأثیر رنگ‌بر روی اخلاق و رفتار انسان‌ها است. تأثیری که رنگ‌ها بر روی انسان‌ها می‌گذارند ممکن است یکی از موضوعات پیچیده باشد و هنرمندان و طراحان معتقد هستند که رنگ‌ها می‌توانند بر روی خلق‌وخوی انسان‌ها تأثیر بگذارند. همچنین این مسئله طبق تحقیقات انجام‌شده نیز به تأیید رسیده است. به همین دلیل در رنگ‌آمیزی نقاشی‌های دخترانه و هر نوع نقاشی دیگر دقت لازم را داشته باشید تا تأثیر خوبی بر روی انسان‌ها بگذارید.
نقاشی در اصل یک نوع هنر ذاتی محسوب می‌شود که هر شخصی می‌تواند در صورت داشتن علاقه، استعدادهای نقاشی خود را از طریق آموزش و تمرین کشف کند و با خلاقیت خود در این زمینه باعث پیشرفتش در این زمینه شود.
اگر شما هم در نظر دارید نقاشی دخترانه ساده را یاد بگیرید می‌توانید به‌راحتی در دوره‌های مختلف نقاشی شرکت کرده و تجربه و مهارت خود را درزمینهٔ نقاشی های دخترانه افزایش دهید. ایجاد یک اثر هنری جدید برای اشخاص زیادی می‌تواند هیجان‌انگیز و جذاب باشد.
حتما بخوانید: 31 مفهوم ترکیب بندی در نقاشی
می‌توان گفت نقاشی دخترانه مجموعه از تمامی این احساسات است و شما می‌توانید این سبک از نقاشی را با روش‌های مختلف طراحی بامداد رنگی، مداد سیاه، آبرنگ، رنگ‌روغن و غیره انجام دهید.
شما می‌توانید بر اساس سلیقه و نظر خود از ایده‌ها و سوژه‌ای مختلفی دراین‌باره استفاده کنید و از این طریق باعث ایجاد نقاشی‌های زیبا و جذابی شوید. نقاشی کردن علاوه بر این‌که باعث بالا رفتن روحیه و انرژی مثبت طراح می‌شود بلکه باعث می‌شود فرد در زمان نقاشی نظرات و احساسات شخصی و مخصوص به خود را نیز در طراحی‌هایش به تصویر بکشد و همین مسئله در بیش‌تر مواقع باعث می‌شود یک نقاشی خاص و منحصربه‌فرد باشد.

اگر در اوایل شروع به کار نقاشی و طراحی هستید و می‌خواهید نقاشی دخترانه آسان (نقاشی دخترونه آسون) را یاد بگیرید پیشنهاد می‌کنیم در وهله اول به خود سخت نگیرید و از روی طرح‌های نمونه نقاشی دخترانه ساده، یک طرح را انتخاب کرده و سعی کنید آن را طراحی کنید. شما می‌توانید این کار را تا جایی که مهارت شما در این زمینه به سطح خوبی برسد ادامه دهید.
بعدازآن می‌توانید نقاشی‌های خود را بر اساس تخیل و فکر خود طراحی کنید و فقط از روی نقاشی‌های نمونه کپی‌برداری نکنید. در این زمان است که مهارت اصلی و خلاقیت شما معلوم می‌شود. همچنین دقت کنید که این‌گونه مسائل احتیاج به تمرین زیادی دارد. همچنین در زمان‌هایی که در حال و هوای نقاشی کشیدن نیستید این کار را انجام ندهید و آن را به زمان‌هایی که حوصله و علاقه کافی را دارید موکول کنید.چند نمونه عکس زیبا از نقاشی های دخترانه را در زیر مشاهده کنید.
دانلود دروس آموزش نقاشی دخترانه

برای دانلود هر درس کافی ست روی آن کلیک کنید. یا اگر پخش شد، روی علامت سه نقطه پایین سمت راست ویدیو کلیک و گزینه Save را بزنید.
هر لینکی کار نکرد در بخش نظرات اعلام کنید تا مشکل رفع شود. (یا به پیج منبع مراجعه کنید)

دروس آموزشی:

حتما در کنار این مطلب دانلود کنید: نقاشی فانتزی: آموزش 20 نقاشی با 20 ویدیو 
نمونه های عالی از نقاشی دخترانه (می توانید پرینت بگیرید و روی آنها تمرین کنید)
برای بزرگنمایی هر تصویر روی آن کلیک کنید:

در کنار این مطلب دانلود کنید: آموزش نقاشی دیجیتال از صفر تا صد با 15 درس رایگان

آموزش نقاشی دیجیتال از صفر تا صد با 15 درس رایگان+ جزوه PDF

آموزش نقاشی دیجیتال از صفر تا صد با 15 درس رایگان+ جزوه PDF

آموزش نقاشی دیجیتال از صفر تا صد با 15 درس رایگان+ جزوه PDF
https://honarfardi.com/wp-content/uploads/2021/10/word-image-54.jpeg

نقاشی دیجیتال یک هنر نوظهور و شاخه ای از گرافیک دیجیتالی و کامپیوتری است که در آن تکنیک های سنتی نقاشی مانند آبرنگ، رنگ روغن، اکرلیک و … با استفاده از ابزارهای دیجیتالی و به وسیله رایانه، تبلت، قلم نوری و نرم افزار به کار گرفته می شود.
مزیت های نقاشی دیجیتال
هنر دیجیتال در مقایسه با هنر سنتی مزیت‌های بسیاری دارد. به عنوان مثال هنر دیجیتال در دسترس همه افراد در اقسام نقاط دنیا قرار می گیرد، ارزان‌تر است، ابزارها و نرم‌افزارهای متنوعی دارد که امکان دسترسی ساده تری به هنرمند می دهد. همچنین نقاشی دیجیتال قابلیت ادیت و ویرایش بسیار بالایی دارد و نتیجه سریع تری به ارمغان می آورد چرا که امکان آزمون و خطا بیشتری را به شما می دهد بدون آنکه هیچ هزینه گزافی برای خطای خود پرداخت کنید. این امر به شما کمک می کند تا طرحتان را قبل از تایید نهایی تصحیح کنید.
درواقع استفاده از نرم افزار در زمان طراحی شما صرفه جویی می کند و به شما کمک کرده تا دقیق ترین تصویر را از ایده ذهنی خود خلق کنید. جالب است بدانید که با استفاده از نقاشی دیجیتال شما می توانید هر نوع سبکی را نقاشی کنید همچون سیاه قلم، آبرنگ، رنگ روغن، پاستل و… با تکنیک های نقاشي ديجيتال امکان پذیر است.
اما با وجود این تفاوت ها، هنر سنتی و دیجیتال لزوما در مقابل هم قرار نمی‌گیرند صرفا سبک های متفاوتی از هنر به حساب می‌آیند و این به معنای آن نیست که هنرمندانی که آثارشان را با تکنیک دیجیتال اجرا می کنند از هنرمندانی که از طریق ابزار سنتی هنرشان را منتقل می کنند در درجه پایین تری قرار می گیرند.
بهترین نرم افزارها برای نقاشی دیجیتال
1- فتوشاپ

احتمالا تا به حال از این نرم افزار محبوب برای ادیت عکس استفاده کرده باشید. اما باید دانست که یکی از کاربردهای دیگر این برنامه کشیدن نقاشی های دیجیتالی است.

2- نرم افزار Procreate

این نرم افزار یکی از بهترین برنامه ها برای تصویرسازی دیجیتالی است اما درحال حاضر فقط بر سیستم عامل ios قابلیت اجرایی شدن دارد. از مزیت های این برنامه امکان طراحی تصاویر از ساده ترین تا پیچیده ترین حالت است اما باید به این نکته هم توجه داشت که متاسفانه نمی توان تصاویر خیلی بزرگ با حجم بالا طراحی کرد.

3- نرم افزار کورل Corel Painter

یکی از مهمترین قابلیت های این برنامه پیشرفته بودن ابزارها و تنظیمات براش ها و تکسچرهای آن است. همچنین رنگهای خاصی برای دقیق درآوردن تکنیک های نقاشی سنتی همچون آبرنگ، اکرلیک، رنگ روغن، آبرنگ و … دارد.

4- نرم افزار Autodesk Sketchbook Pro

یکی از بهترین برنامه ها که امکان اجرا روی تبلت، گوشی و کامپیوتر را دارد و از پیشرفته ترین قابلیت بِلِند کردن گستره رنگی برخوردار است، اسکچاپ می باشد پس شما می توانید طراحی دقیقتری را با این برنامه تجربه کنید.

5-نرم افزار Clip Paint Studio Pro

این نرم افزار بطور اختصاصی برای کشیدن مانگا طراحی شده است اما برای کشیدن انواع نقاشی دیجیتالی و حتی طراحی ساختمان توسط معماران نیز کاربرد دارد. تعداد و تنوع بالای قلم هایی که در اختیارتان قرار می دهد، به شما امکان طراحی شبیه سازی شده نقاشی سنتی یا همان طراحی با مداد را می دهد.

برای نقاشی دیجیتال به چه ابزارهایی نیاز است؟
همانطور که قلم مو، رنگ و بوم برای کشیدن نقاشی روی بوم ضروری هستند، برای طراحی به کمک هنر نقاشی دیجیتال هم به قلم نوری و تبلت نیاز خواهید داشت. درواقع قلم نوری همان قلم مو آغشته به رنگ است و تبلت هم بوم نقاشی را شبیه سازی می کند. البته از کامپیوتر یا لپ تاپ نیز می توانید استفاده کنید اما دقت کنید که بهتر است اسکرین سیستمتان لمسی باشد، چراکه طراحی کردن با موس اگرچه ناممکن نیست اما برای ابتدا کار کمی دشوار است.
حتما بخوانید: 31 مفهوم ترکیب بندی در نقاشی (آموزش تصویری)
بهترین تبلت های مورد استفاده برای طراحی های دیجیتال
سه مدل تبلت پیشنهادی ما از گران ترین تا به صرفه ترین برای استفاده شما در زیر قرار داده ایم.

تبلت اپل iPad Pro 12.9 (2020)
Samsung galaxy tab s7
آیپد 2021 شیائومی pad5

دروس آموزش نقاشی دیجیتال
برگرفته از پیج بناکانال

نقاشی دیجیتال حتما باید اصول رنگ و نور را بلد باشد-برای یادگیری کامل آنها کافی ست این مطلب را بخوانید
جزوه پی دی اف رایگان آموزش نقاشی دیجیتال
  دانلود PDF آموزش نقاشی دیجیتال
سوالات متداول
انواع نقاشی دیجیتال چیست؟

سبک ها و انواع هنر دیجیتال – راهنمای کامل
نقاشی دیجیتال دو بعدی
نقاشی دیجیتال سه بعدی و مجسمه سازی سه بعدی.
پیکسل آرت.
هنر فراکتال
هنر الگوریتمی
عکاسی دیجیتال.
نقاشی VR.
گرافیک کامپیوتری دو بعدی

آیا نقاشی دیجیتال یک شغل است؟
بله. نقاشان دیجیتال برای استودیوهای انیمیشن، شرکت های تولید فیلم و ویدیو، در صنعت طراحی و توسعه بازی و در زمینه تبلیغات کار می کنند. آنها همچنین ممکن است در زمینه های منحصر به فرد مانند انیمیشن پزشکی، هنر کتاب های مصور، انیمیشن قانونی و مدل سازی معماری کار پیدا کنند.
آیا می توان نقاشی دیجیتال را به تنهایی یاد گرفت؟
مفاهیم اولیه نقاشی دیجیتال بسیار شبیه به طراحی سنتی است اما به نظر شخص من قبل از طراحی دیجیتال نیازی به یادگیری طراحی سنتی نیست، می توانید از همان ابتدا با دیجیتال شروع کنید.
آیا هنر دیجیتال دشوار است؟
هنر دیجیتال بسیار سخت است زیرا بر مجموعه مهارت های کاملاً متفاوتی نسبت به هنر سنتی متکی است. بسیاری از هنرمندان ماهر وقتی به یک پلتفرم هنر دیجیتال روی می آورند، باید اصول اولیه را دوباره یاد بگیرند و متوجه می شوند که دوباره مبتدی هستند. اما اگر در آن حرفه ای شوید، می تواند واقعاً هنر سرگرم کننده ای باشد.
به عنوان یک نقاش دیجیتال حتما ببینید: 27 تا از نقاشی های معروف دنیا (و داستان آنها)

آموزش نقاشی خط از صفر تا صد با 12 درس رایگان

آموزش نقاشی خط از صفر تا صد با 12 درس رایگان

آموزش نقاشی خط از صفر تا صد با 12 درس رایگان
https://honarfardi.com/wp-content/uploads/2021/10/word-image-22.jpeg

هنر نقاشی خط مکتبی نوپا در دوره معاصر ایران شناخته می شود و تلفیقی هنرمندانه از نقاشی و خطاطی و آرایشی هنرمندانه از فرم حروف و کلمات در قالب یک طرح نقاشی است که در دوران معاصر از علاقه مندان زیادی برخوردار می باشد. یکی از دلایل اهمیت این سبک، به جز زیبایی منحصر به فردش این است که ابداع و استفاده از آن در زمان خود یک نوع از سنت شکنی محسوب می‌شد.
نقاشی خط و تاریخچه آن
شاید بتوان گفت مکتب سقاخانه در نقاشی معاصر ایران خاستگاه اصلی خوشنویسی و پیدایش نقاشیخط بوده است. هنرمندانی همچون رضا مافی، فرامرز پیلارام و محمد احصایی در پیدایش و پیشبرد این هنر در ایران مؤثر بوده‌اند. اطلاعات دقیقی نسبت به پایه گذار این سبک هنری ایرانی وجود ندارد اما برخی رضا مافی را اولین کسی می‌دانند که تحت تاثیر مکتب سقاخانه با رعایت اصول سنتی خط بر بوم نقاشی، خطاطی کرد. برخی هم خوشنویسی توانا به نام محمد احصایی را بنیانگذار نقاشی خط در ایران می‌دانند چرا که او از در به کارگیری حرف و کلمات سبک و سیاق خاص خود را دارد.
تفاوت نقاشی خط با خط نقاشی
نقاشی خط و خط نقاشی دو واژه ی در گفتار شبیه بهم، اما در عمل بسیار متفاوت هستند. بدین صورت که نقاشی خط، همان نقاشی کردن حروف و کلمات با تکنیک های رایج نقاشی به وجود است که بیننده آن را خوشنویسی قلمداد می کند و همانطور که از اسمش هم پیداست، نقاشی بر خطاطی غلبه دارد. اما خط نقاشی مانند شکل گیری واژه اش، خلق کردن نقاشی به وسیله خط را گویند و برخلاف نقاشی خط از سابقه طولانی در تاریخ ایران برخوردار است.

به طور کلی برای بیان عواطف به ساده ترین شکل ممکن از خط می توان استفاده کرد. و همین که قابل خواندن باشد و در کمترین زمان ممکن بتواند منظور خود را به مخاطب القا کند کافیست. اما در خط نقاشی، مهم ترین نکته، زیبایی بصری آن است که هنرمندان این زمینه با تلفیق عناصر مختلف و رنگ و نوآوری همراه دفرمه کردن خطوط، به وجود می‌آورند.
نکته ای که در خط نقاشی جالب توجه است این است که در وهله اول مفهومی که نوشتار به شما منتقل می‌کند اهمیتی ندارد و حتی ممکن است جمله ای کاملا بی معنی را به صورت خط نقاشی بنویسند.
27 تا از نقاشی های معروف دنیا (و داستان آنها)
چرا که هدف از خط نقاشی انتقال زیبایی بصری و همچنین انتقال احساسات و عواطف درونی هنرمند از طریق عناصر بصری است و انتقال مفاهیم و محتوا مد نظر نیست.
نمونه های زیبا از نقاشی خط و خط نقاشی

نقاشی مدرن و خوشنویسی در ترکیب با یکدیگر شیوه ای از هنر را ایجاد می کنند که به آن نقاشی خط گفته می شود. این حرفه فرصتی برای آشکارسازی پتانسیل هنری فرد ارائه می دهد و یک گزینه شغلی منحصر به فرد برای کسانی است که دارای ذهنی هنری، خلاق و علاقه مند به خوشنویسی و نقاشی هستند. افرادی که به کارهای هنری مانند نقاشی، خطاطی علاقه دارند، با وارد شدن به هنر نقاشی خط، می توانند آثار بسیار زیبا و چشم نواز خلق کنند.
امروزه، با مدرنیته شدن معماری، قطعا هر کسی تمایل دارد تا از عناصر تزئینی و هنری مرتبط با این سبک در خانه خود استفاده کند. تابلوهای خطاطی شده با حفظ سبک مدرن، قابلیت تداعی کردن فرهنگ و هنر قدیمی ایرانی را دارند و زیبایی منحصر به فردی به دکوراسیون خواهند بخشید.

در زمینه نقاشی‌خط، طیف گسترده ای از خوش‌نویسان، گرافیست‌ها و نقاش‌ها به این رشته هنری جذب شده اند. در حقیقت، نقاشی‌خط گرایشی در نقاشی معاصر است که در آن، هنرمند از فرم، حروف و رنگ در ایجاد تصویری غالبا انتزاعی بهره می‌گیرد. بنابراین از پیش نیاز های اصلی برای شروع به کار در این رشته دانستن اصول اولیه خوشنویسی و نقاشی است.
نقاشی روی سفال: آموزش صفر تا صد با 12 درس رایگان
چند ویدیوی کاربردی
جناب آقای دکتر کاظم خراسانی برگزار شده در اولین همایش دبیران فرهنگ و هنر استان خراسان رضوی آذرماه 98:

 

 

 

 
سوالات متداول
آیا یادگیری نقاشی خط دشوار است؟
پاسخ کوتاه به این سوال این است: نه، یادگیری سخت نیست، اما تسلط بر آن سخت است! خوشنویسی یک مهارت است که در ابتدا تمرینات زیادی را می طلبد تا زمانی که به آن مهارت پیدا کنید، اما به سالها تمرین نیاز دارد تا در این کار استاد شوید.
بازار کار این هنر چگونه است؟
بازار کار برای هنرمندان مسلط به هنر نقاشی خط، بسیار پررونق است، این هنر در ایران بسیار محبوب است و افراد زیادی از تابلوهای نقاشی خط استقبال می کنند پس با برگذاری نمایشگاه و فروش آثار هنری خود می توانید درامد کسب کنید.
آیا نقاشی خط همان خوشنویسی است؟
شاید بسیاری از افرادی که تازه با نقاشی خط آشنا شده اند گمان کنند که این هنر همان خوشنویسی است اما اینطور نبوده و درواقع بیشتر به نقاشی نزدیک تر است و در واقع نوعی مهارت و برگرفته از نقاشی است.
چرا نقاشی خط تا این اندازه پرطرفدار شده است؟
دلیل این موضوع را می توان در ترکیبی بودن این هنر دانست چراکه زیبایی های هر دو هنر را در دل داشته و بیان عاشقانه ای دارد.
31 مفهوم ترکیب بندی در نقاشی (آموزش تصویری)

نقاشی روی سفال: آموزش صفر تا صد با 12 درس رایگان

نقاشی روی سفال: آموزش صفر تا صد با 12 درس رایگان

نقاشی روی سفال: آموزش صفر تا صد با 12 درس رایگان
https://honarfardi.com/wp-content/uploads/2021/10/word-image-16.jpeg

سفالگری هنری است با قدمت زیاد که در ادوار تاریخی دست خوش تغییرات بسیاری شده و تکنیک های مختلفی به این هنر اضافه شده است که در این مقاله به بررسی یکی از این تکنیک ها میپردازیم.
نقاشی روی سفال امروزه در بین هنرمندان بسیار محبوب شده چرا که با ساده ترین ابزار و تنها با کمی خلاقیت طرح های بسیار زیبایی را می توان خلق کرد.
تاریخچه نقاشی روی سفال
ایران زادگاه سفال های نقاشی شده می باشد و قدمت آن به چهارهزار سال پیش از میلاد می رسد. طرحهای نقاشی شده رو ظروف سفالی در ابتدا بسیار ساده و در حد خطوط و نقوش هندسی بودند ولی به مرور ارتقا پیدا کرده و به نقوش گیاهی و جانوری تبدیل شدند. درحالیکه در آن زمان طرح ها رئال بوده و بطور عینی از طبیعت الهام گرفته شده بودند، بعدها هنرمندان با دخل و تصرف در طرحها شروع به نوعی ایجاد طرحهای خلاق گونه کردند، بعنوان مثال شاخ، پا یا… را تغییر داده و اغراق شده می کشیدند.

که البته از تکنیک های نقاشی روی لعاب، زیر لعاب، خراشیدن و …. استفاده می شده که البته نیاز به لعاب دادن و پخت سفال در کوره است، امروزه برای علاقه مندان به نقاشی روی سفال این امکان که با رنگهای اکرولیک،گواش و…روی سفال نقاشی کنند نیز به وجود آمده.
طراحی سیاه قلم: آموزش صفر تا صد با 15 درس رایگان
ابزارهای مناسب نقاشی روی سفال

یک ظرف سفالی
سمباده
رنگ اکرلیک / گواش
چسب چوب
قلم مو
اسپری ثابت کننده رنگ روی سفال

نحوه رنگ آمیزی سفال

آماده سازی ظرف : یک ظرف سفالی انتخاب کرده و سطح آن را با سمباده زبر تمیز کنید. سپس ظرف را با آب سرد شسته و بگذارید کاملا خشک شود (اگر ظرف مرطوب باشد رنگ، روی آن پوسته خواهد شد)
زیرسازی : سپس مقداری چسب چوب را با آب مخلوط کرده و روی سطح ظرف بکشید (چسب چوب مانع از خورده شدن رنگ توسط سفال می شود) بعد از خشک شدن، دوباره سطح سفال را سمباده نرم بکشید.
انتقال طرح : طرح خود را با مداد یا کاربن روی ظرف انتقال داده و شروع به رنگ آمیزی کنید.
تثبیت طرح : پس ازاتمام رنگ آمیزی و خشک شدن رنگ، ثابت کننده را روی سفال اسپری کنید (جهت براق شدن کار و البته محافظت از طرح، چرا که این رنگها حلالشان آب است و درصورت شسته شدن و نبود اسپری تثبیت کننده، رنگ ها پاک می شوند).

البته از رنگ های دیگر نیز می توانید استفاده کنید اما رنگ اکرولیک جلوه بیشتری روی سفال دارد.
اگر اسپری تثبیت کننده ندارید از تافت مو استفاده کنید!

چند نمونه زیبا از نقاشی روی سفال

چند ویدیوی آموزش نقاشی روی سفال از سرتاسر اینترنت

حتما بخوانید: 44 مهارت که هر مرد و زنی باید بلد باشند
سوالات متداول
از چه رنگی در سفال استفاده می شود؟
رنگ اکریلیک بیشتر مورد استفاده قرار می گیرد، اما لاک ناخن نیز می تواند نتایج خوبی ایجاد کند. برخلاف سایر رنگها، هر دوی این مواد این مزیت را دارند که پس از خشک شدن در آب حل نمی شوند.
آیا می توانید در خانه سفال نقاشی کرد؟
بله! برای طراحی سفال های زیبا در خانه نیازی به کوره یا دیگر تجهیزات خاص ندارید. فیگورهای رنگ شده می توانند به خانه شما رنگ بدهند، در حالی که گلدان های تزئین شده می توانند باغ یا حیاط شما را زنده کنند. از رنگ اکریلیک روی ظروف سفالی استفاده کنید.
نقاشی روی سفال یکی از آرامش بخش ترین هنرهاست و برای سامان دادن افکار و بالا بردن تمرکز کمک شایانی به شما خواهد کرد. امیدوارم که این مقاله توجهتان را جلب کرده و شما را به تجربه نقاشی روی سفال ترغیب نموده باشد.
31 مفهوم ترکیب بندی در نقاشی (آموزش تصویری)

طراحی سیاه قلم: آموزش صفر تا صد با 15 درس رایگان

طراحی سیاه قلم: آموزش صفر تا صد با 15 درس رایگان

طراحی سیاه قلم: آموزش صفر تا صد با 15 درس رایگان
https://honarfardi.com/wp-content/uploads/2021/10/word-image-9.jpeg

یکی از مهمتین عوامل ایجاد کردن زیبایی های بصری استفاده از کنتراست یا همان تضاد است. حال امروز به بررسی هنری از زیرشاخه های نقاشی به نام سیاه قلم خواهیم پرداخت که در آن از تضادهای شدید بین روشنی و تاریکی بهره می برند که این کار معمولاً برای دراماتیک تر شدن اثر هنری انجام می شود. همچنین یک اصطلاح فنی است که توسط مورخان هنر و هنرمندان برای تضاد نور استفاده می شود.
سیاه قلم چیست؟
به اثر گذاشتن مداد سیاه و یا ذغال بر روی کاغذ یا مقوا با سایه های تیره و روشن سیاه قلم گویند. سیاه قلم سبکی از نقاشی است که در آن تنها از طیف رنگی سیاه تا سفید استفاده می شود. در فرهنگ فارسی معین این واژه نوعی از نقاشی که در آن فقط از قلم و مرکب سیاه، ذغال یا مداد کار شده باشد و هیچ رنگ آمیزی نداشته باشد معنی شده است. در طراحی سیاه قلم هنرمند معمولا یک سوژه انتخاب کرده و با مهارت و ریزبینی تمام با استفاده از شیوه های فوتورئال و هایپررئال و روش جزء به کل آنرا ترسیم می کند. با استفاده از نقاشی سیاه قلم می توان انواع طرح ها از مناظر گرفته تا چهره را به تصویر کشید.
تاریخچه سیاه قلم
سیاه قلم یکی از زیرشاخه های هنر نقاشی می باشد و قدمتی دیرینه دارد. آغاز این هنر در ایران را می توان در سده هفتم هجری قمری جست و جو کرد، زمانیکه کمال الملک استفاده از ذغال را برای نقاشی بین شاگردانش رواج داد. ذغال مورد استفاده آنها مل نام داشت و با استفاده از قلمو بر روی بوم کشیده می شد. البته از آنجا که اطلاعات جامع و موثقی درمورد تاریخچه سیاه قلم وجود ندارد، برخی افراد، خلق این نوع نقاشی را به محمد بن محمود شاه خیام که در دوران بایسنقر میرزا، نقاش معروفی بود، نسبت می دهند به دلیل آنکه لقب وی سیاه قلم بود.
31 مفهوم ترکیب بندی در نقاشی (آموزش تصویری)
طراحی چهره با مداد و سیاه قلم را باهم اشتباه نگیرید
یکی از بدیهی ترین تفاوت های این دو مواد مصرفی شان است. مشخصا در طراحی با مداد از گرافیت و سیاه قلم از ذغال استفاده می شود. از دیگر تفاوت ها می توان به موارد زیر نیز اشاره کرد:
ذغال نسبت به مداد دارای ضخامت بیشتری بوده و روان‌تر و مشکی‌تر می باشد. از این رو طراحی با ذغال طرح های رئال و احساسی بیشتری ایجاد می‌کند. همچنین استفاده از مداد بسیار آسان تر بوده و در هر مکانی میشه از آن استفاده کرد اما ذغال شرایط محیط خاصی دارد و در پایان کار برای حفظ و ماندگاری بیشتر باید تحت محافظت قرار گیرد که در تیترهای بعدی به آن خواهیم پرداخت.

انواع تکنیک های سیاه قلم

هاشور زدن : یعنی کشیدن خطوط نازک و تیره به موازات هم.
پاک کن زنی : در این روش از یک پاک کن نرم و انعطاف پذیر به نام پاک کن خمیری استاده می شود که به طراح این امکان را می دهد که در طرح نقاط و قسمت های روشن ایجاد کند. باید دانست که کاربرد این نوع پاک کن در سیاه قلم برای تصحیح خطاها نیست بلکه بخشی از ترسیم است.
تکنیک محو کردن : از این روش جهت ایجاد سطوحی صیقلی بین نواحی تاریک تر و روشن تر استفاده می‌شود که برای این کار میتوان از محوکن یا انگشت استفاده کرد.
سایش : با استفاده از ذغال یک تکه کاغذ را روی سطحی ساییده و به کمک آن بافتی در سطح ایجاد می کنند.

آیا طراحی سیاه قلم به نگهداری خاصی نیاز دارد؟
در جواب باید گفت که بله!
همانطور که در قبل اشاره شد این نقاشی با استفاده از ذغال و پودر آن کشیده می شود پس ثبات کمی دارد و پس از مدتی با دست کشیدن و گذر زمان نقاشی و تابلو ما کیفیت و شفافیت خود را از دست میدهد. حال در زیر به روشهای مراقبت این نقاشی می پردازیم.
27 تا از نقاشی های معروف دنیا (و داستان آنها)
استفاده از اسپری فیکساتیو، بدین صورت که از فاصله 30 سانتی متری شروع به اسپری کردن آن روی نقاشی می کنیم.
نکته! از این اسپری به مقر کم استفاده کنید تا نقاشی خیس نشود.
روش دیگر حفاظت از نقاشی استفاده از پوشش لمینت می باشد. لمینت یک لایه پلاستیک حساس به حرارت است که پس از حرارت دادن روی سطح کاغذ پرس شده و سطح نقاشی کاملا محافظت می شود.
و در نهایت استفاده از قاب ها به همراه شیشه روی نقاشی می باشد.
لوازم مورد نیاز نقاشی سیاه قلم

مقوای اشتنباخ و فابریانو
تخته شاسی
کاغذ پوستی
زغال یا پودر زغال
انواع مداد مشکی
محو کن
پاک کن
قلمو سرتخت
پودر کف دریا
چسب کاغذی

نکاتی که در کشیدن سیاه قلم باید رعایت کنید

رعایت تناسبات چهره
انتخاب ژست مناسب
تاثیر نورپردازی مناسب
تاثیر لباس سوژه برای طراحی بهتر
انتخاب پس زمینه مناسب
انتخاب تکنیک ماسب باتوجه به سن مدل

بازار کار سیاه قلم
اگر پس از خواندن این مقاله به سیاه قلم علاقمند شدید، باید بدانید که برای ورود به شغل نقاشی، لزوما به تحصیلات آکادمیک نیازی ندارید و با آموزش و تمرین مستمر به راحتی می توانید در این کار موفق باشید و حتی از ان کسب درامد کنید. این تئوری که این تکنیک سخیف و غیر هنری می باشد صحیح نیست و چنانچه شما علاقه مند به یادگیری و فعالیت در این حوزه بکر هنری می باشید، باید بدانید که این سبک از هنر امروزه به یکی از پردرآمدترین سبک های هنری تبدیل شده شده است.
بدین صورت که شما می توانید از افراد مختلف سفارش سیاه قلم بگیرید و از فروش نقاشی تان کسب درآمد کنید. همچنین در مقاطع حرفه ای تر می توانید به صورت خصوصی یا عمومی تدریس نقاشی داشته باشید.
20 نکته فوق العاده جالب روانشناسی و کاربردی
چند ویدیوی آموزش سیاه قلم از سرتاسر اینترنت
منبع پیج یادگیری و نسرین بانو در آپارات:

می خواهید در کمتر از یک ماه استاد سیاه قلم شوید؟
بسته آموزشی زیر بدون نیاز به کلاس، با زبان فارسی و ساده سیاه قلم را به بهترین شکل به شما آموزش میدهد:

نمونه کارهای زیبای سیاه قلم

نتیجه گیری
دراین مقاله سعی نمودیم، شما را با نوعی از سبک های طراحی یا همان سیاه قلم آشنا کنیم. نقاشی سیاه قلم از جمله نقاشی های بسیار محبوب در بین هنرمندان می‌باشد که زیبایی ها را به صورت 2بعدی به تصویر می کشد و مانند دیگر تکنیک های هنر های بصری می توان از آن برای مقاصد گوناگونی استفاده کرد.
9 باور غلط راجب نقاشی
شما با دانش از سبک ها و مکاتب هنری این حرفه می توانید کار های بسیار پر مفهوم و تاثیرگذاری را خلق کنید. و حتی می توانید صاحب نگاه جدید و منحصر به فرد شوید. بنابراین به عنوان هنری نسبتا نوین از گرایش های طراحی می توان روی این سبک سرمایه گذاری کرد.

27 تا از نقاشی های معروف دنیا (و داستان آنها)

27 تا از نقاشی های معروف دنیا (و داستان آنها)

27 تا از نقاشی های معروف دنیا (و داستان آنها)
https://honarfardi.com/wp-content/uploads/2021/09/word-image-202.jpeg

بسیاری از آثار هنری و ازجمله نقاشی ها، حرف های زیادی برای گفتن دارند و مفهوم آنها بیش از هزاران کلمه است. نقاشی ها می توانند بسیار پیچیده تر از آنچه در نگاه اول به نظر می رسند باشند و گاهی اوقات رمزگشایی آنها دشوار است. مفهوم آثار ماندگار می تواند از تجربیات شخصی هنرمند تا وقایع تاریخی متفاوت باشد. برخی از این نقاشی ها نیز روایت داستان های مذهبی و رمان های معروف هستند که هنرمند آن ها را به زیباترین شکل ممکن به تصویر کشیده است. در حقیقت بسیاری از این هنرمندان با ذوق و قریحه ی خود توانسته اند آثارشان را در تاریخ ماندگار کنند و جایی در دل تاریخ برای خود باز کنند.
در این مطلب، 27 مورد از مشهورترین نقاشی های جهان و داستان های جذاب پشت آنها آورده شده است. اگر به هنر و نقاشی علاقمند هستید، توصیه می کنیم که این مطلب را از دست ندهید.
قبل از همه: تالار آینه (اثر کمال الملک)

معروف‌ترین و مشهورترین اثر کمال الملک نقاشی تالار آینه است. کمال‌الملک به مدت ۵ سال برروی این اثر کار کرد و با ظرافت تمام همه جزییات آن را به تصویر کشید. در این نقاشی، ناصر الدین شاه در تالار آینه دیده می‌شود. این اثر در سال 1261 خورشیدی با رنگ روغن به روی بوم کشیده شده است.
نکته جالب این نقاشی نشان دادن محوطه بزرگ تالار آینه است. این تالار در واقعیت این طور باشکوه و بزرگ نیست و کمال‌الملک در این طراحی تالار را وسیع‌تر و باشکوه‌تر از واقعیت نشان داده است.
1- دنیای کریستینا (Christina’s World‎)

هنرمند: اندرو وایت
سال: 1948

نقاشی “دنیای کریستینا” پس از گذشت سال های زیاد از رونمایی آن، همچنان جذاب است. زنی که روی زمین افتاده است، “آنا کریستینا السن” همسایه ی اندرو وایت است که به فلج اطفال مبتلا بوده و این هنرمند او را در حال خزیدن در علفزار، از پنجره ی خانه اش دیده بود. شاید این نقاشی در نگاه اول ساده بنظر برسد اما ژست اولسون به هیچ وجه کسل کننده نیست. این نقاشی یکی از معروف ترین نقاشی های قرن بیستم بشمار می آید.
2- پرتره آرنولفینی (Arnolfini Portrait)

هنرمند: یان وان آیک
سال: 1434

این نقاشی که توسط استاد هلندی یان وان آیک کشیده شده است، از برجسته ترین آثار رنسانس شمالی بشمار می آید. تصور می شود که این پرتره تصویر یک بازرگان ایتالیایی ثروتمند بنام آرنولفینییک بهمراه همسرش بوده که در بروژ زندگی می کردند. ترکیب غیرمعمول این نقاشی سوال های زیادی در ذهن بیننده ایجاد می کند. آیا این نقاشی عروسی این زوج را جشن می گیرد یا رویداد دیگری را به تصویر می کشد؟ آیا عروس باردار است یا آخرین مد لباس را پوشیده است؟ و چهره های مرموزی که در آینه محدب به تصویر کشیده شده اند چه کسانی هستند؟ قرار دادن غیر عادی امضای ون آیک در بالای نقاشی نشان می دهد که یکی از این افراد ممکن است خود هنرمند باشد.
3- گوتیک آمریکایی (American Gothic)

هنرمند: گرنت وود
سال: 1930

گرنت وود در طول سه سفر خود به اروپا، از دوران هنری رنسانس الهام گرفت. با این حال اثر گوتیک آمریکایی که باعث شهرت او شد، پس از بازگشت از آنجا نقاشی شد. نقاشی “گوتیک آمریکایی” که نماد ملی و نماینده اصلی منطقه گرایی است، تصویر یک پدر و دختر کشاورز را در کنار خانه سفیدشان نشان می دهد. در حقیقت این دو نفر، پدر و دختر نبودند. مردی که در تصویر می بینید، دندانپزشک گرنت و خواهر او است که در حقیقت نقش کشاورز و دخترش را ایفا کرده اند. در این نقاشی صورت های این دو نفر بصورت خشک و خالی از حس هستند و ریزترین جزئیات آنها به نمایش درآمده است.
4- مرگ مارا (Death of Marat)

هنرمند: ژاک لوئی داوید
سال: 1793

این شاهکار ژاک لوئی داوید که در سال 1793 خلق شده است، مرگ ژان پل مارا که از نویسندگان و حامیان حزب ژاکوبین بود را نشان می دهد. مارا در حمام توسط دختر جوانی بنام شارلوت کوردی با ضربات چاقو به قتل رسید. این اثر به یکی از ماندگارترین تصاویر انقلاب کبیر فرانسه تبدیل شد و هم اکنون در موزه سلطنتی هنرهای زیبا در بروکسل بلژیک نگهداری می شود.
5- دختری با گوشواره مروارید

هنرمند: یوهانس فرمیر
سال: 1665

شاهکار دوران طلایی هلند، “دختری با گوشواره مروارید” اثر ورمیر است. از زمانی که این نقاشی در اواخر قرن نوزدهم ظاهر شد، بینندگان را با نگاه مبهوت خود شگفت زده کرد. از آنجاییکه لباس های این زن نسبت به دوره ای که به تصویر کشیده شده است نامتعارف است و در محیط خاصی کشیده نشده است، هنوز نتوانسته اند بفهمند که متعلق به چه کسی ست و شخصیت دختر تا به امروز ابهامات زیادی ایجاد کرده است. گفته می شود که این زن، تصویر دختر یا معشوقه ورمیر بوده است. برخی نیز تصور می کنند که این تصویر مربوط به شخص واقعی نبوده است. این دختر که یک شال بر سر دارد، بهمراه گوشواره های مرواریدی خود، تصویر منحصر بفردی ایجاد نموده است.
6- اوفلیا (Ophelia)

هنرمند: سر جان اورت میلی
سال: 1851-1852

اوفلیا در حقیقت نقاشی است که معشوقه ی هملت را حین غرق شدن در رودخانه و در حال آواز خواندن نشان می دهد. در این شاهکار هنری، نمایش زیبایی اوفلیا و ترسیم دقیق جزئیات منظره، قابل ستایش می باشد. گفته می شود که جان اورت میلی، این نقاشی را از مدل 19 ساله خود الیزابت سیدال، در یک وان پر از آب در استودیویی در لندن کشیده است.
7- پسر انسان (The Son of Man)

هنرمند: رنه ماگریت
سال: 1946

آثار نقاش بلژیکی رنه ماگریت در نوع خود بینظیر است و “پسر انسان” خودنگاره ی هنرمند از خود است که چهره اش با سیبی سبز رنگ بطور کامل پوشانده شده است. سیب یکی از نقوش مورد علاقه هنرمند است و پنهان شدن او در پشت آن نشاندهنده ی عدم توجه نقاش به شهرت و هویت خود است. عنوان انتخاب شده برای این اثر توسط ماگریت، به عیسی مسیح اشاره دارد. برخی منتقدان این اثر را تفسیری سورئالیستی از تغییر شکل عیسی مسیح نامیده اند.
آموزش تناسبات آناتومی بدن انسان
8- طوفان در دریای جلیل (the Storm on the Sea of Galilee)

هنرمند: رامبراند ون راین
سال: 1633

این شاهکار هنری زیبا دریاچه ای بنام جلیل در فلسطین را نشان می دهد و در حقیقت بیانگر رویدادی ست که برای عیسی مسیح و حواریون او رخ داده است. این نقاشی در 18 مارس 1990، همراه با بیش از ده اثر مهم به ارزش تقریبی نیم میلیارد دلار به سرقت رفت. سارقان هرگز دستگیر نشدند و مکان آثار هنری مفقود شده هنوز مشخص نیست اما انگشت اتهام به سوی ویتی بولگر، جنایتکار حرفه ای در بوستون است که چندین سال پیش فوت شده است.
9- عبور ژنرال واشینگتن از رود دلاویر (Washington Crossing the Delaware)

هنرمند: امانوئل لوتز
سال: 1851

این اثر یکی از مهم ترین وقایع جنگ استقلال آمریکا را به تصویر می کشد که تقریبا 75 سال پس از جنگ نقاشی شد. این شاهکار هنری در دونسخه کشیده شد که اولین نسخه ی آن در طی بمباران های جنگ جهانی دوم از بین رفت اما نسخه ی دوم آن به نیویورک منتقل شد و اکنون در یکی از موزه های این شهر نگهداری می شود. لوتز مدتی را در ایالات متحده گذرانده بود و این اثر را با این امید ترسیم کرد که الهام بخش انقلابیون اروپایی باشد.
10- نقاشی پرتره ونگوک با گوش بریده شده

هنرمند: وینسنت ون گوگ
سال: 1889

وینسنت ون گوگ بخاطر بریدن گوش خود مشهور است. ون گوگ در سال 1888 به جنوب فرانسه کوچ کرده بود و دچار ناراحتی روحی شدید و افسردگی شده بود. این هنرمند که با کابوس های هذیان آلودی دست و پنجه نرم می کرد، گوش خود را برید، در روزنامه پیچیده و گفته می شود که آن را به یک روسپی محلی داد تا از آن نگهداری کند. این پرتره، ونگوک را با گوش بریده اش نشان می دهد که سمت راست سر خود را با پارچه پوشانیده است. در حقیقت این بخشی از گوش چپ ون گوگ بود که بریده شد و ناهماهنگی در نقاشی، ناشی از بازتاب معکوسی بود که هنرمند هنگام نگاه کردن به آینه درک می کرد.
11- گرنیکا (Guernica)

هنرمند: پابلو پیکاسو
سال: 1937

“گرنیکا” کاری از پابلو پیکاسو است که خشم، رنج و آشوب مردم را در طی بمباران هولناکی که آلمان ها در سال 1937 بر شهر کوچک باسک وارد کردند، به نمایش می گذارد. این نقاشی نماد صلح است و یکی از عالی ترین نقاشی های ضد جنگ جهان بشمار می آید. پیکاسو تا زمان جمهوری شدن این کشور صراحتاً نمایش آثار خود را در اسپانیا ممنوع کرد. این در حالیست که سرزمین مادری او هرگز این تقاضا را برآورده نکرد و این نقاشی در سال 1981 و شش سال پس از مرگ دیکتاتور فرانسیسکو فرانکو به نمایش گذاشته شد.
20 نکته فوق العاده جالب روانشناسی و کاربردی
12- جیغ (The Scream)

هنرمند: ادوارد مونک
سال: 1893

شاهکار اکسپرسیونیستی ادوارد مونک هنرمند نروژی که به طور عام به عنوان “جیغ” شناخته می شود، اغلب به عنوان پاسخی به فشارهای بیش از حد زندگی مدرن تفسیر می شود. این تصویر که در اصل “فریاد طبیعت” نامیده می شد، با نیت کاملاً متفاوتی ایجاد شد. خود مونک در مورد به تصویر کشیدن این اثر می گوید: “یک روز عصر در مسیری قدم می زدم. احساس خستگی و بیماری کردم. ایستادم و به آسمان نگاه کردم. خورشید در حال غروب بود و ابرها به سرخی می زدند. فریادی را که از میان طبیعت عبور می کرد، احساس کردم. به نظرم رسید که فریاد را شنیدم. من این تصویر را ترسیم کردم و ابرها را مانند خون نقاشی کردم. رنگ ها در این نقاشی جیغ می زنند.” این نقاشی نمادین در سال 1994 از گالری ملی اوسلو به سرقت رفت. مجرم دستگیر شد و نقاشی چند ماه بعد برگردانده شد. نقاشی جیغ از جمله آثار مشهوری ست که بارها در معرض ربوده شدن و دزدی قرار گرفته است.
13- مونالیزا (Mona Lisa)

هنرمند: لئوناردو داوینچی
سال: 1503

زن مرموز به تصویر کشیده شده توسط لئوناردو، قرن هاست که توجه بینندگان بسیاری را به خود جلب کرده است. فرضیه های بی شماری در مورد هویت این زن و توضیح لبخند مرموز او ارائه شده است. این نقاشی یکی از نوآوری ها در زمینه ی هنر بشمار می آید و اولین پرتره ی ایتالیایی است که کاملا بر روی تصویر نیم تنه ی سوژه ی تمرکز دارد.
14- پرتره آدل بلوخ باوئر (Portrait of Adele Bloch-Bauer)

هنرمند: گوستاو کلیمت
سال: 1907

آدل بلوخ باوئر از حامیان و دوستان نزدیک گوستاو کلیمت بود. وی دختر موریس باوئر (مدیر کل بانک وینر) و همسر فردیناند بود. دوستی بین کلیمت و آدل باعث شد که آدل چندین بار مدل پرتره این نقاش شود و نقاشی فوق، یکی از معروف ترین پرتره هایی ست که از وی بجای مانده است. فردیناند در سال 1945 درگذشت و طبق وصیت خود، برادر زاده و خواهر زاده اش بنام ماریا آلتمن را وارثان املاک خود معرفی نمود. ماریا جهت بازپس گیری مجموعه آثار هنری متعلق به عمویش که یکی از آنها پرتره آدل بلوخ باوئر بود اقامه ی دعوا کرد. وی سالها برای بازگشت نقاشی تلاش کرد و سرانجام در سال 2006 به پیروزی رسید. این داستان به اندازه ای هیجانی بود که در سال 2015، فیلمی تحت عنوان “زنی با لباس طلایی رنگ”، از روی آن ساخته شد. در این فیلم هلن میرن، نقش ماریا و رایان رینولدز نقش وکیل وی را بازی کردند.
15- نقاشی های غار لاسکو (Lascaux Cave Paintings)

هنرمند: ناشناس
سال: 15000-17000 سال قبل از میلاد

در سال 1940 مارسل رویدا 18 ساله، پنجره ای را به گذشته های دور باز کرد. وقتی که او با سگش در منطقه دوردون فرانسه در حال قدم زدن بود، به سوراخی افتاد. این حفره به غاری منتهی شد که تقریباً شامل 6000 تصویر پارینه سنگی بود که حیوانات، نمادهای عجیب و اشکال انسانی را نشان می داد. هدف از ایجاد این نقاشی ها مشخص نیست اما احتمال داده می شود که به نوعی مراسم تشریفاتی مرتبط باشد.
تفاوت بین طراحی و نقاشی چیست؟
16- پرتره مادام ایکس (Portrait of Madame X)

هنرمند: جان سینگر سارجنت
سال: 1883–84

پرتره مادام ایکس شاهکاری از جان سینگر سارجنت است که از ویرژینی گوتخو، همسر بانکدار فرانسوی کشیده است. هنگامی که این اثر برای اولین بار در سال 1884در سالن پاریس به نمایش گذاشته شد، منتقدان زیادی را خشمگین کرد. سارجنت امیدوار بود که این پرتره جایگاه او را در این حرفه تثبیت کند. با این حال این نقاشی مشکلات زیادی را برای این هنرمند ایجاد نمود و او را مجبور کرد که به انگلستان برود. این نقاشی تصویر زنی ست که با لباس مشکی فیگور گرفته است. تضاد پوست روشن و تیرگی لباس و پس زمینه، از ویژگی های جالب این نقاشی بشمار می آید.
17- بدون عنوان

هنرمند: ژان میشل باسکیا
سال: 1982

باسکیا یک هنرمند دیوارنگار آمریکایی آفریقایی تبار بود. این جوان زندگی سختی را سپری کرد و در سن 27 سالگی بر اثر مصرف بیش از حد هروئین درگذشت. در دسامبر 2018، یکی از آثار بدون عنوان وی رکوردی در ساتبیز ثبت کرد و 110.5 میلیون دلار فروخته شد. در حقیقت توانست رکورد گرانترین نقاشی آمریکا را از آن خود کند. پس از بررسی اثر فوق با اشعه ماوراء بنفش مشخص شد که این نقاشی شامل عناصری است که توسط باسکیا با جوهر نامرئی کشیده شده است.
18- در مولن روژ (At the Moulin Rouge)

هنرمند: هانری تولوز لوترک
سال: 1892- ۱۸۹۵

تولوز-لوترک از خانواده ای ثروتمند و اشرافی فرانسه بود. این هنرمند به یک اختلال ژنتیکی مبتلا بود که بر رشد استخوان های او تأثیر گذاشت. او با عصا راه می رفت و قدش تنها یک متر و پنجاه سانت بود. او به دلیل ظاهر جسمانی خود مسخره می شد و قادر به انجام بسیاری از فعالیت های عادی نبود. وی در اثر “در مولن روژ” دنیایی را به تصویر می کشد که در آن احساس آرامش می کرد. در این شاهکار هنری سه مرد و دو زن به تصویر کشیده شده اند که دور یک میز نشسته‌ اند و خودنگاره‌ای از لوترک در کنار پسر عمویش گابریل نیز در پس ‌زمینه آن دیده می ‌شود.
19- سفیران (The Ambassadors)

هنرمند: هانس هلباین
سال: 1533

هانس هلباین از پرطرفدارترین نقاش پرتره در عصر خود است که مدت زمان قابل توجهی را در دربار هنری هشتم گذراند. نقاشی “سفیران” تصویر سفیر فرانسه در انگلستان بهمراه دوستش را در اواخر 20 سالگی نشان می دهد.
در این نقاشی از اجزای تمثیلی مختلفی استفاده شده است شیء تار و سیاه و سفیدی که قسمت پایینی نقاشی مشاهده می کنید، در واقع جمجمه یک انسان است که نمایانگر مرگ و میر است. این شیء از زاویه ی روبرو اصلا قابل تشخیص نیست و باید از زاویه ی خاص به آن نگاه شود تا تصویر جمجه مشخص شود. همین امر ناظران را مجبور می کند تا نقاشی را از دیدگاه های مختلف مشاهده کنند.
راهنمای کامل: آموزش رنگ و نور در نقاشی (متوسط-پیشرفته)
20- دختر با بادکنک

هنرمند: بنکسی
سال: 2006

اثر فوق در ابتدا در سال 2002 روی دیواری در شهر لندن پدیدار شد و از همان زمان جرء یکی از آثار محبوب این شهر قرار گرفت. چندین نقاشی دیگر که به این هنرمند دست نیافتنی نسبت داده شد، در سالهای بعد در اطراف لندن ظاهر شد. در سال 2018 یک فرد ناشناس این اثر را به مبلغ یک میلیون و ۱۸۰ هزار یورو خرید اما درست پس از به صدا درآمدن صدای چکش خرید، نیمی از اثر با کاغذ خردکن از بین رفت و تنها بادبادک قرمز رنگ روی زمینه سفید تابلو باقی ماند. به این ترتیب به نظر می‌ رسید که دختربچه، بادبادک را در هوا رها کرده است. در حقیقت بنکسی با این ابتکار قصد داشت کالایی شدن هنر را محکوم کند.
21- قتل هولوفرنس توسط یهودیت (Judith Slaying Holofernes)

هنرمند: آرتمیزیا جنتیلسکی
سال: 1610

در دوره ای که زنان نقاش از سوی جامعه ی هنری پذیرفته نمی شدند، آرتمیزیا جنتیلسکی اولین زن نقاشی بود که توانست به این عرصه قدم بگذارد. جنتیلسکی در 18 سالگی مورد تجاوز قرار گرفت و در یک دادگاه علنی با متجاوز خود روبرو شد اما دادگاه متهم را آزاد نمود. او خشم بعدی خود را در کارهای هنری خود بویژه “قتل هولوفرنس توسط یهودیت” به نمایش گذاشت.
این نقاشی یک قسمت از کتاب “جودیت” در کتاب مقدس را روایت می کند که در آن جودیت به کمک خدمتکارش، سر هولوفرنس را بعد از مستی در خواب می برد. جودیت بیوه زنی زیبا بوده که پس از محاصره ی شهرش توسط بیگانگان، مخفیانه به اردوگاه دشمن می رود و موفق می شود سر هولوفرنس که سردار بزرگ یک ارتش بود را در خواب ببرد. این اثر در حقیقت نشاندهنده ی قدرت زنان و پیروزی آن بر مردان است و به همین دلیل بعنوان هنر قدرت زنان نیز شناخته می شود.
22- میرا (Myra)

هنرمند: مارکوس هاروی
سال: 1995

این نقاشی عظیم مارکوس هاروی، تصویر یکی از بیرحم ترین زنان بریتانیایی بنام “میرا هندلی” قاتل سریالی کودکان در دهه 60 را به تصویر می کشد. پس از رونمایی از این اثر، انتقادات فراوانی به آن وارد شد و بارها مورد تخریب واقع شد.
23- شبانه سیاه و طلایی، سقوط موشک (Nocturne in Black and Gold, the Falling Rocket)

هنرمند: جیمز مک نیل ویسلر
سال: 1875

این شاهکار هنری ویسلر، برای نخستین بار در گالری گروس ‌ونور لندن در سال ۱۸۷۷ به نمایش گذاشته شد. این اثر بیانگر یک پارک ‌شهر و سقوط موشک به واسطه آتش ‌بازی در شب و آسمانی مه ‌آلود است. در نقاشی شبانه سیاه و طلایی، سقوط موشک به یک جهت بسیار مشهور است چون آغازگر طرح دعوی در دادگاه بین ویسلر و منتقد هنری جان راسکین شد.
44 مهارت که حتما باید بلد باشید
24- سالواتور موندی (Salvator Mundi)

هنرمند: لئوناردو داوینچی
سال: 1500

سالواتور مندی به معنای منجی جهان و تصویری از عیسی مسیح است. این نقاشی زیبا در حراجی در نوامبر 2017 به قیمت 450.3 میلیون دلار به فروش رسید. خریدار نهایی این اثر با تماس تلفنی در حراجی شرکت کرده‌ بود و هویت او کاملاً مشخص نبود اما شایعات نام “شاهزاده بدر بن عبدالله بن فرحان آل سعود” را به عنوان صاحب این اثر مطرح نموده اند. در ۷ دسامبر نیز گزارش شد که محمد بن سلمان ولیعهد عربستان سعودی خریدار این نقاشی بوده ‌است.
25- دو فریدا (The Two Fridas)

هنرمند: فریدا کالو
سال: 1939

این نقاشی از مشهورترین آثار فریدا کالو است که در اکثر روزهای زندگی خود زجر کشید و این زجرها را در اکثر نقاشی های وی می توان دید. آثار کالو با شمایل عمیقاً شخصی تزئین شده است و به زندگی پر از درد و رنج جسمی و عاطفی او اشاره می کند. “دو فریدا” هنرمند را قبل و بعد از جدایی دردناک وی از همسرش “دیه گو ریورا” به تصویر می کشد. در سمت چپ فریدا با لباس سفید یکدست دیده می شود (که احتمالا لباس عروسی اش است) و در سمت راست فریدا در لباس بومی مکزیک دیده می شود که دست در دست یکدیگر دارند.
26- تداوم حافظه (The Persistence of Memory)

هنرمند: سالوادرو دالی
سال: 1931

در این نقاشی زیبا که از معروف ترین آثار سالوادور دالی بشمار می آید، ساعت هایی دیده می شود که در حال ذوب شدن می باشند و باعث می شود که بیننده در مورد نحوه ی گذراندن وقت خود بیشتر تامل کند. برخی معتقدند که این نقاشی از نظریه ی نسبیت انیسشتین الهام گرفته است. این نقاشی که با نام هایی همچون “ساعت های نرم یا ذوب شده” نیز شناخته می شود، در موزه هنر مدرن شهر نیویورک به نمایش گذاشته شده است و با زیر پا گذاشتن منطق و واقعیت، یک حالت رویایی و توهم زا برمی انگیزد.
27- بعدازظهر یکشنبه در جزیره گراند ژات (A Sunday on La Grande Jatte)

هنرمند: ژرژ سورا
سال: 1884

دو سال طول کشید تا ژرژ سورا مشهورترین کار خود را به پایان برساند. جزیره گراند ژات در رودخانه سن در پاریس قرار گرفته ‌است و در اواخر قرن نوزدهم میلادی، تفرجگاه محبوبی برای ساکنین پاریس به شمار می ‌آمد. هنگامی که این تابلو برای اولین بار در سال 1886 در معرض دید عموم قرار گرفت، با تردید منتقدان روبرو شد. اما چیزی که این اثر را در زمره شاهکارهای هنری قرار داد، این بود که این نقاش اثبات کرد که نقاشی به صورت نقطه نقطه، سطحی روشن ‌تر از نقاشی با ضربات کلاسیک قلم مو به وجود می‌ آورد.
حتما بخوانید: 31 مفهوم ترکیب بندی در نقاشی (آموزش تصویری)

ترکیب در نقاشی

31 مفهوم ترکیب بندی در نقاشی (آموزش تصویری)

31 مفهوم ترکیب بندی در نقاشی (آموزش تصویری)
https://honarfardi.com/wp-content/uploads/2021/08/word-image-126.jpeg

دنیا را چطور می بینید؟ روشن و امیدوارکننده یا دلگیر؛ پر انرژی و بی نظم و یا پر از جادو و رمز و راز؟ آیا تا به حال سعی کرده اید دقیقا همان چیزی که احساس می کنید را با مقداری رنگ و قلم مو توصیف کنید؟ اگر کسی به نقاشی شما نگاه کند، عمیقا احساس تان را درک خواهد کرد. اما چه چیزی در شما باعث شد آن را بکشید؟ احساسات، حیرت یا کنجکاوی؟
آیا اثر هنری شما مو را به تن بیننده سیخ می کند و باعث می شود ساعت ها بنشیند و به آن خیره شود یا حتی او را جادو کند؟
من چنین احساساتی را در سال 1989 وقتی در موزه ملی هنر حیات وحش جکسون هول هنگام تماشای نقاشی های کارل رونگیوس تجربه کردم و همه اش حاصل یک ترکیب بندی خوب بود.
چرا ترکیب بندی مهم است؟
درک اصول طراحی مطمئنا می تواند به نقاشی های شما کمک کند. با این حال، به یاد داشته باشید که متکی بودن به اصول و تکنیک هایی که ظاهرا قواعد سفت و سختی دارند، قدرت تخیل را در نقاشی هایتان از بین می برد.
ترکیب بندی یا طراحی، ترکیب هوشمندانه و خلاقانه از المان های مختلفی مثل خط، شکل، رنگ، ارزش رنگ (Value)، لبه ها، انحنای S شکل، تقارن حرکتی، الگو و … است که ما به عنوان نقاش برای بیان داستان خود از آن ها استفاده می کنیم.
هرچه درک ما از ایده ها و تکنیک های متعدد طراحی کامل تر باشد، با قدرت بیشتری می توانیم دیدمان را در مورد جهان را با بینندگان اثر به اشتراک بگذاریم. به قول ریچارد اشمید: “آنچه ما هنگام توجه به طراحی های برجسته مشاهده می کنیم، صرفا راه حل های هوشمندانه هنرمندان برای مواجهه با مشکلاتی است که هنگام کنار هم قرار دادن المان ها برایشان به وجود می آید.”

اگر ما درگیر فکر کردن به این عقاید که به نوعی عرفانی یا مطلق هستند، بشویم در این صورت نقاشی های مان مثل بقیه کسانی خواهد بود که همان طرز تفکر را دارند.
هدف ما درک چگونگی و چرایی این تکنیک ها است. پس می توانیم با خلاقیت از آن ها استفاده کنیم، آن ها را دستکاری یا حذف کنیم تا دقیقا همان چیزی که می خواهیم در نقاشی هایمان جریان داشته باشند.
ایان پلانت عکاس می گوید: “ترکیب بندی همه چیز را گرد هم می آورد … ضرب، ریتم و قافیه را در یک شعر با هم هماهنگ می کند. طنین، ملودی، هارمونی، تمپو و دینامیک در یک سمفونی، و سوژه، حس و حال، نور و آن (لحظه) در یک عکس یا نقاشی ، همگی به نوعی اثر را از مجموع اجزایش برجسته تر می کند. ترکیب بندی، هم افزایی ایجاد می کند و حتی می تواند مبتذل را به والا تبدیل کند.”

چه چیز هایی بر ترکیب بندی تأثیر می گذارند؟
مفاهیم و عناصر کوچک و بزرگ بسیار زیادی وجود دارد که باعث می شوند یک ترکیب بندی به نتیجه مطلوب برسد و ما در این مقاله به همه آن ها اشاره خواهیم کرد.
برخی از عناصر مهمی که باید هنگام نقاشی مورد توجه قرار دهیم عبارتند از: نور و سایه (که هنگام نقاشی یک مکان به سرعت تغییر می کند)، طرز قرار گرفتن سوژه (چپ، راست، زاویه و فاصله) و پرسپکتیو (بالا یا پایین) و تمرکز نقاشی و آن چیزی که می خواهید منتقل کنید.
طراحی همان چیزی است که ما برای ایجاد توهم حرکتی در یک سطح دو بعدی استفاده می کنیم . اگر بتوانیم به خاطر بسپاریم که ترکیب بندی تنها وسیله برای رسیدن به یک نتیجه خارق العاده است، شاید بتوانیم از نگرانی مورد درست بودن یا نبودن ترکیب بندی مان کم کنیم.

عناصر طراحی یا همان ابزار های بصری که به ما به خلق ترکیب بندی های جذاب کمک می کنند ، عبارتند از:

خطوط
شکل ها
رنگ
ارزش یا شدت رنگ
فرم/ توده (بخش اعظمی از نقاشی که سایه دارد یا به یک رنگ است)
لبه ها
بافت
پرسپکتیو/ عمق/ فضا

و اصول طراحی یا نحوه استفاده از عناصر طراحی برای انتقال مفهوم نقاشی ها عبارتند از:

الگو (فیزیکی و انتزاعی)
نفوذ/ تأکید/ تمرکز
یکپارچگی / واریته/ هارمونی
تعادل
تضاد
حرکت/ ریتم
شدت رنگ موضعی
اثر یکنواخت سازی

مفاهیمی که به ترکیب بندی بهتر کمک می کنند؛ عبارتند از:

گِشتالت
سوژه و پس زمینه
قانون یک سوم
تقارن حرکتی
نسبت طلایی و اعداد فیبوناچی

هر یک از این مفاهیم را با مثال بررسی خواهیم کرد.

اصطلاحات و تعاریف مختلفی در مورد اصول طراحی وجود دارد. بسیاری از هنرمندان کلمات دیگری را جایگزین می کنند یا لیستی از مفاهیم و المان های مختلف که متعلق به هنرمندان دیگر است را ارائه می دهند.
گاهی اوقات هنگام استفاده از این اصطلاحات ممکن است گیج شوید زیرا بسیاری از اصول و مفاهیم با هم هم پوشانی دارند. هرگز فکر نکنید که باید از یک اصل یا ایده واحد در یک نقاشی استفاده کنید. در بیشتر نقاشی ها از ترکیبی از مفاهیم و قواعد بهره گرفته شده است. هوش خلاق و قدرت تخیل مهمترین ابزاری است که شما برای ترکیب بندی ها یا طراحی های موفق در اختیار دارید.

من در این مقاله مفاهیم امتحان شده و درست و همین طور پر طرفدار و پر کاربرد را پوشش خواهم داد.
عناصر طراحی
ما با عناصر طراحی شروع می کنیم زیرا آ نها همان چیزی هستند که خیلی از هنرمندان با آن ها سر و کار دارند.
خطوط
خطوط چیزی فراتر از طرح کلی و خطوط خارجی اشیا در نقاشی های ما هستند. آن ها در ریتم، حرکت، هارمونی و گویاتر کردن نقاشی های ما نقش دارند.
ما می توانیم هم با خطوط واقعی و فرضی بیننده را به هر جایی که می خواهیم، ببریم.
در این نقاشی، من از شاخه های کوچک زیادی استفاده می کنم تا مخاطب را از یک درخت به درخت دیگر ببرم؛ درست مثل زمانی که رقصندگان به نوبت زیر نور اجرای شان را به نمایش می گذارند.

هر درخت به یک خط تبدیل می شود. هر شاخه کوچک، رنگ بنفش در پس زمینه درختان، مسیر، چمن های تیز برگ هر کدام خطوطی هستند که به انرژی و ریتم نقاشی کمک می کنند.
خطوط لازم نیست حجم داشته باشند. نه تنها لبه های درخت بْعد دارند و یک خط را نشان می دهند، بلکه اشکال سبز و زرد (بوته ها) پشت درخت هم یک خط ایجاد می کنند . فقط در این یک بخش کوچک، می توانید چندین خط ایجاد شده توسط اشکال و ضربات رنگ را مشاهده کنید.

شکل ها
هر ناحیه از نقاشی های ما را می توان به شکل های بزرگ تر و کوچک تر تقسیم کرد. هرچقدر بتوانیم رنگ ها، شدت رنگ و خطوط را بهتر بر اساس اشکال انتزاعی گروه بندی کنیم، ترکیب بندی ها و نقاشی هایمان مفهوم را بهتر می رسانند.
گروه بندی هر چیزی بر اساس اشکال مختلف به ما این امکان را می دهد که در مراحل اولیه نقاشی، جزئیات غیرضروری را از ذهنمان دور کنیم. این کار به ما کمک می کند الگو، وحدت و حرکت را بدون پرت شدن حواس به ریزه کاری ها و اختلافات موجود در صحنه، خلق کنیم.
اینجا است که نگاه با چشمان نیمه باز به کارمان می آید. وقتی چشمان مان را تنگ می کنیم ، رنگ پراکنده و به اشکال کاربردی گروه بندی می شود. در این حالت می توانیم از اشکال به وجود آمده برای ساختن مسیر های جالب در نقاشی مان استفاده کنیم.
من نقاشی زیر را سریع کشیدم و میزان کم رنگ و پر رنگی و رنگ ها را تا آنجا که می توانستم دقیق در آوردم.
هدفم این بود كه جزئیات كوچك تر مثل درختان را به شكل های بزرگتر تقسیم كنم و از آن ها برای حركت و جهت دهی استفاده و بیننده را از طریق این قطعه راهنمایی كنم.

برخی از اشکال متداول که در طبیعت با آن ها روبرو هستیم مارپیچ، زیگزاگ، دایره، مثلث، منحنی و خطوط مورب هستند. برای بهتر کردن طرح هایمان از آن ها به طور استراتژیک استفاده می کنیم. هر کدام کاراکتر و تأثیر خاص خودش را بر بیننده دارند. اکثر افراد می توانند انرژی هر شکل را به صورت شهودی حس کنند.
در ادامه چند تا از این اشکال توصیف شده اند:
زیگزاگ ها انرژی و هیجان در نقاشی ایجاد می کنند، به همین دلیل من از آن در نقاشی زیر برای بیان حسی که رود خروشان منتقل می کند، استفاده کردم.

از منحنی ها هم برای بیان لطافت و آرامش در دریاچه نقاشی زیر استفاده کردم.

خطوط مورب تنش و انرژی پویا را به نقاشی اضافه می کنند، به همین دلیل از آن ها در تصویر زیر استفاده کردم. من می خواستم درختان در نقاشی زنده به نظر برسند و انرژی را به ترکیب بندی اضافه کنند.
همچنین از خطوط مورب ضمنی که توسط سنگ ها و علف های پشت درختان به وجود آمده اند برای ایجاد حرکت سریع مثل آنچه با دیدن یک رودخانه در دور دست می بینیم، استفاده کردم.
رنگ
یک هنرمند می تواند با توجه به دمای رنگ های گرم و سرد، رنگ های مکمل، رنگ ناحیه ای، رنگ نسبی، روانشناسی رنگ از این المان در ترکیب بندی استفاده کند. رنگ بر همه چیز اطراف ما تأثیر می گذارد و جهان را دیدنی می کند.
با اینکه نمی خواهیم لزوما روی رنگ به عنوان یک ابزار روانشناختی عمومی متمرکز شویم، اما پویایی رنگ در طبیعت یک زبان عمومی در اختیارمان قرار می دهد که می توانیم با آن منظورمان را برسانیم.
روانشناسی رنگ یک مقوله فرهنگی است. ممکن است مردم آمریکا رنگ سفید را برای لباس عروس ترجیح دهند، اما در چین رنگ قرمز انتخاب و لباس سفید برای مراسم تشییع جنازه استفاده شود.
مهم نیست که در کجای کره زمین زندگی می کنیم، یک سری چیزها مشابه اند. گرما و سرما همه جا حس می شود، اکثر گیاهان برگ های سبز دارند، آسمان اغلب آبی است و آب مشخصات و اثرات شناخته شده ای دارد.

نقاشی بالا در مکانی دیاوولزا در سوئیس کشیده شد. وقتی آن را نقاشی کردم، نگران این نبودم که رنگ ها با آنچه در آمریکا دیده ام متفاوت هستند. من مجبور نبودم به این دلیل که هزاران کیلومتر از جایی که معمولا نقاشی می کردم فاصله دارم، رنگ های پالتم را تغییر بدهم.
البته مطمئنا اثرات نور بسته به آب و هوا و ارتفاع می تواند کمی تغییر کند، اما اینکه دیدم رنگ زمین در بین تمام فرهنگ ها یکی است، برایم جالب بود.
با این اوصاف، چطور می توان از رنگ در ترکیب بندی استفاده کرد؟
از رنگ می توان برای ایجاد هارمونی، تعادل، ایجاد حرکت، تولید ریتم و تأکید در کل طراحی ها استفاده کرد.
در نقاشی بالا من مقداری رنگ ارغوانی را به رنگ آب، سنگ و زمینه اضافه کردم تا به ایجاد هارمونی کمک کند. همچنین از رنگ های تیره تر برای درختان و سنگ های اطراف استفاده کردم و بیشتر روی ظرافت رنگ های خود آبشار کار کردم.
رنگ جلب توجه می کند. بهترین کاربرد رنگ، جلب توجه به مکان مورد علاقه تان است. با به کار بردن رنگ های قوی تر در اطراف نقطه کانونی، نظر بیننده به همان جا (نقطه کانونی) جلب می شود.
در یک آب و هوای مرطوب، اتمسفر (که از مولکول های گاز کوچک تر از امواج نور تشکیل شده) طول موج های آبی کوتاه تر را بیشتر از طول موج های قرمز و زرد در همه جهات پراکنده می کند و باعث می شود که آسمان را آبی تری ببینیم. همین جو معمولا باعث می شود که اجسام دور، یک فیلتر آبی دورشان را احاطه کند و در نتیجه دور تر به نظر برسند.
به همین دلیل است که رنگ های سردتر معمولا دور و محو به نظر برسند و رنگ های گرم تر نزدیک و پررنگ تر. البته این قاعده در همه شرایط صدق نمی کند. اما ما می توانیم از این اصل برای ایجاد فاصله در نقاشی هایمان استفاده کنیم.

این تأثیر اتمسفر حتی در فواصل کوتاه تر هم جواب می دهد. در نقاشی بالا، از رنگ های آبی و ارغوانی سردتر برای دور کردن و چسباندن شی به پس زمینه و از قرمز و زرد های گرم تر برای نزدیک کردن سوژه به بیننده استفاده کردم. من در این ترکیب بندی از این خاصیت رنگ کمک گرفتم تا ایجاد عمق کنم.
ارزش یا شدت رنگ (Value)
ما قبلا به اهمیت تنگ کردن چشم ها اشاره کردیم، اما تکرار آن مخصوصا وقتی پای شدت رنگ در میان باشد، ضرری ندارد. فرم 3 بعدی به شدت رنگی که تیره و روشن می شود وابسته است.
سفید بالا ترین شدت رنگ را دارد و روشن ترین است. سیاه کم ترین شدت رنگ را دارد و تیره ترین است.
شدت رنگ یکی از بهترین ابزار ها برای ایجاد کنتراست و هدایت چشم بیننده به اطراف طرح و در نهایت به کانون مد نظرمان است.
یادتان باشد که رنگ ارزش ذاتی هم دارد. آبی لاجوردی یا بنفش روناسی به عنوان یک رنگ تیره و پررنگ از تیوب خارج می شود. یا زرد لیمویی و نارنجی کادمیوم از تیوب به عنوان رنگ روشن و کم رنگ خارج می شود.

برگ های سبز بسیار تیره در نقاشی بالا از آبی لاجوردی، قرمز روناسی و کمی سبز یشمی با مقداری قرمز عنابی به وجود آمده است.
من از آن رنگ های تیره استفاده کردم تا چشم بیننده را از نقطه ای به نقطه دیگر در بین گل ها هدایت کنم. کنتراست زیاد بین برگ های تیره و زمینه روشن تر، نگاه ها را به سمت خودش جلب می کند. همین مورد در مورد برگ های روشن تر که در مناطق تاریک پس زمینه قرار دارند، صدق می کند.
آگاهی نسبت به شدت رنگ ها به ما کمک می کند تا نقاشی ها و همچنین ترکیب بندی های بهتری خلق کنیم.
من وقتی نقاشی را شروع می کنم، اغلب شکل های بزرگ را با الگوی سایه – روشن می کشم.
فرم / توده رنگ (Mass)
کلمه “فرم” به جای عناصر مختلف هنری هم استفاده می شود. اما منظور ما از “فرم” نوع فیزیکی و انتزاعی اشکال و شی ها و شکل های مثبت و منفی است.
سایه ها شکل های انتزاعی هستند در حالی که درختان اجسام فیزیکی هستند. آسمان بین شاخه ها، اغلب فضایی منفی است اما اشکال و توده ای را تشکیل می دهد که الگو ها را در نقاشی کامل می کند.
در ادامه این مقاله در مورد توده و الگو مفصل صحبت خواهیم کرد.
لبه ها
لبه های سخت و نرم نشان دهنده رئالیسم موفق است . تا زمانی که مفهوم لبه ها را درک نکنید، نقاشی بی فایده است. استفاده درست از لبه ها معمولا تفاوت بین یک نقاشی حرفه ای و آماتوری را مشخص می کند.
در نقاشی بخش “خطوط” که قبلا نشان داده ایم، از لبه های سخت برای سمتی که درخت در نور قرار دارد و از لبه های شکسته برای سمت سایه آن استفاده شده است . این لبه های شکسته کمک می کند بخش سایه از دید بیننده فاصله گرفته و در پس زمینه محو شود، در حالی که لبه سخت بخش روشن درخت را به بیننده نزدیک و از پس زمینه دور می کند
این همان چیزی است که ما در طبیعت هنگامی که شدت رنگ بین اجسام جلویی و آن هایی که در سایه روشنهای پس زمینه هستند تضاد ایجاد می کنند، می بینیم . در جایی که دو شکل با یک شدت رنگ با هم رو برو شده و از هم می گذرند، لبه ها ناپدید می شوند. در این حالت لبه ها اصطلاحا “گم” می شوند.
پرسپکتیو/ عمق/ فضا
کشف پرسپکتیو یکی از بزرگترین کمک هایی بود که بشر در حق هنر واقع گرایانه کرد. به تصویر کشیدن پرسپکتیو در نقاشی ها بسیار حیاتی است. بیننده به طور غریزی می فهمد که نقاشی یا تصویر شما یک چیزی کم دارد، مخصوصا از نظر پرسپکتیو.
این یکی از اصلی ترین ابزار هایی است که برای ایجاد احساس عمق در اختیار داریم. جالب اینجاست که ما می توانیم از ابزار های طراحی دیگری برای ایجاد اثر پرسپکتیو استفاده کنیم.
مثلا خطوطی مثل پایه های حصار یا تنه های درخت که به دلیل اثر پرسپکتیو کوچک تر و محوتر به نظر می رسند، بیننده را متقاعد می کنند که آن ها از هم دور می شوند و فاصله می گیرند.
در نقاشی زیر، بوته ها و درختان کاج پشت گیاهان کوچکتر کشیده شده اند تا به بیننده بگویند در فاصله دورتری قرار دارند.

برخی از استراتژی هایی که می توانیم برای ترسیم فضا یا عمق استفاده کنیم ؛ ابعاد، سایه (شدت رنگ)، هم پوشانی کردن، کوچک کردن ابعاد به منظور ایجاد پرسپکتیو و ایجاد پرسپکتیو اتمسفری هستند.
اصول طراحی
الگو
الگو، طرح اصلی است که به تصویر را شکل دهد . الگو در واقع اسکلت یا توده های منسجم کننده فیزیکی یا انتزاعی است. بارز ترین مشخصه الگو مرتبط کردن تمام اشکال تاریک یا روشن اصلی به یکدیگر است.
این یکی از مهمترین اصول طراحی است که باید آن را بفهمیم.
یکی از ساده ترین ایده ها برای آموزش الگو، استفاده از روشنایی و تاریکی به عنوان اشکال منسجم کننده است که بر ترکیب بندی تاثیر می گذارد . اگر به تصویری نگاه کنیم که در آن از الگو های شدیدا روشن و تاریک استفاده شده، به راحتی مرز بین این الگو ها را تشخیص می دهیم. غالبا این الگو حتی بدون تنگ کردن چشم ها هم مشخص است.
شدت رنگی که بیشترین ارتباط را داشته باشد، چه روشن و چه تیره، انسجام طرح را حفظ می کند. من اغلب نقاشی هایم را با الگوی سایه شروع می کنم تا به نقاشی ام جهت بدهم.

چه بخواهیم الگو های اساسی ظریف باشند (برای این که علاقه بیننده به تدریج بیشتر شود)، و چه آشکار و برجسته (برای جلب توجه سریع و غیر ارادی بیننده)، فرم دهی الگو های تاریک یا روشن در مراحل اولیه می تواند به سرعت لحن یا پیام نقاشی را مشخص کند.
سه هنرمندی که اشکال تاریک / روشن را به الگو های انتزاعی کارهای شان اضافه کرده اند، سر فرانک برانگوین، استیو هاستون و نانسی گوزیک هستند.
اگر چشمان تان را تنگ کنید به راحتی خواهید دید که قرار گیری و تفکیک اشکال به شدت روشن و تاریک در کار های هر یک از این هنرمندان بسیار زیاد است.

با کمی افزایش کنتراست (همان طور که در بالا مشاهده شد)، می توانید به وضوح ببینید که هنرمند بخش های تیره را به یکدیگر متصل می کند تا جریان یا حرکت رو به جلو در طراحی ایجاد شود.

با دقت در نقاشی بالا می بینید که شدت رنگ ها متمایز از هم هستند. حتی در بازوی بالایی که روشن تر است هم شدت رنگ تا حدی تیره شده که از رنگ پس زمینه روشن قابل تشخیص باشد. تفکیک شدت رنگ ها یک هارمونی بصری برای بیننده ایجاد می کند. در واقع با دیدن سوژه و پس زمینه گیج نمی شویم و می توانیم این دو را از هم تفکیک کنیم.
همانطور که در تصویر زیر مشاهده می شود، باز هم تغییر کنتراست باعث می شود شاهد کمی تمایز بین قسمت های روشن و تیره باشیم.

دیدید که اشکال تیره یا روشن چه اتصال قدرتمند و قوی با هم دارند. ما می توانیم نیروی حرکتی که در این طرح به تصویر کشیده شده را احساس کنیم. با کنار هم قرار گرفتن این شکل های انتزاعی طرح اصلی ما به وجود می آید.
اگر ضربات قلم مو، رنگ ها، شدت رنگ ها و لبه ها با آن طرح اولیه هارمونی داشته باشد، دیدن نقاشی برای بیننده لذت بخش تر خواهد بود و پیام را هم به وضوح منتقل می کند.

باز هم اگر چشمان مان را تنگ کنیم و به نقاشی بالا نگاه کنیم، شاهد تغییر کنتراست خواهیم بود. شدت رنگ های تیره و روشن باعث تفکیک شکل ها و خلق یک طراحی جذاب می شود.
الگو، جریان یا مسیر هایی را در نقاشی های ما ایجاد می کند. این همان نحوه انتقال حس تعادل، ریتم، هارمونی، حرکت یا کنتراست است که امیدواریم بیننده با دیدن نقاشی ما متوجه آن بشود. الگو با استفاده از عناصر فیزیکی و انتزاعی ایجاد می شود.
الگو های فیزیکی
الگوی فیزیکی به اشیا واقعی مثل سنگ ها، خانه ها، درختان، مردم، حیوانات و پشه ها اطلاق می شود (آن ها اغلب جزئی از نقاشی هستند).
الگو های انتزاعی
الگو های انتزاعی به عناصری مثل مقیاس، اشکال (مارپیچ، مثلث، مستطیل)، سایه ها و انرژی اشاره دارد (مثل نقاشی زیر).

لازم نیست الگو با کنتراست شدید نور و تاریک شکل بگیرد . تغییرات می تواند پیچیده تر و نامحسوس باشد. این راهی برای ما هنرمندان است تا به وسیله آن تمام قسمت های نقاشی هایمان را بر اساس یک طرح منسجم تکمیل کنیم.
در نقاشی زیر من از اشکال انتزاعی یا منفی مثل سایه در پایین سمت راست استفاده کردم تا نگاه بیننده را به سمت یک شی فیزیکی مثل درخت شکوفه کوچک در سمت چپ نقاشی هدایت کنم.

توجه داشته باشید که حتی در نقاشی ای که کنتراست در آن آنچنان واضح نیست، باز هم اشکال تیره می توانند به هم متصل شوند تا یک الگوی انتزاعی بزرگ تر را به وجود بیاورند. این الگو با افزایش کنتراست در یک نقاشی که به صورت سیاه و سفید در آمده، به شدت قابل مشاهده است. خوبی این کار اینست که شما می توانید اشکال انتزاعی نامتقارنی را ببینید که توسط الگوهای تاریک و روشن و پیوندهایشان به وجود آمده اند.
فضاها و اشکال منفی سایه ها و رنگ آسمان روشن، به واضح تر کردن و تقویت اشکال مثبت یا چیزهایی که ما به عنوان اجسام فیزیکی می بینیم، کمک می کند. سایه ها باعث می شوند حرکت نور مشخص تر باشد و آسمان روشن هم کمک می کند اشکال درختان و سایر اشیا وضوح بیشتری داشته باشند.
اشکال مثبت و منفی با دقت کنار هم قرار می گیرند تا نگاه بیننده را درگیر کنند.
نفوذ/ تاکید/ تمرکز
ناحیه ای در نقاشی که می خواهیم توجه بیننده بیشتر به آن جلب شود که با عنوان نقطه کانونی هم شناخته می شود.
نظر بیشتر هنرمندان این است که تأثیر یک نقاشی بر بیننده بیشتر می شود اگر یک تم در آن برجسته باشد. با توجه به اینکه ارتباط بین اشکال تیره یا روشن در الگوی نقاشی های ما می تواند قدرتمندتر از پراکندگی اتفاقی اشکال باشد، پس ایجاد یک کانون توجه از چند ناحیه بهتر است. این کار وضوح و جلب توجه بیننده را در پی خواهد داشت.
مثلا اگر وارد یک مزرعه شوید و همزمان درختان زیبا و یک آسمان دراماتیک را دیدید، باید یکی را به عنوان سوژه برجسته انتخاب کنید، نه هر دو.

اگر تصمیم گرفتید روی منظره متمرکز شوید، شاید بخواهید چند ابر پشت درختان قرار بدهید. اما این ابر ها عاملی هستند که باعث می شوند درختان بیشتر به چشم بیایند و این چیزی نیست که مثل درخت ها توجه را به خودش جلب کند. برعکس این قضیه هم درست است.
نکته: اگر آسمان نمای اصلی است، ممکن است بخواهید 4/ 3 از بوم ( یا پنل ) را به آسمان و 4/1 را به منظره اختصاص بدهید، یا اصلا هیچ منظره ای نداشته باشید.
نقاش اثر زیر نمای خیره کننده ای از آسمان را با رنگ روغن و کاردک نقاشی خلق کرده که این اصل را به خوبی نشان می دهد. می ببینید که او چطور رنگ را به حداقل رسانده و کنتراست را در پیش زمینه افزایش داده است تا ابر ها درخشان تر و قدرتمندتر به نظر برسند. توجه ما هم معطوف کانون مورد علاقه مان می شود.

این بدان معنا نیست که نمی توانیم یا هیچوقت نباید بیش از یک کانون توجه داشته باشیم ، اما اگر روی یک تم متمرکز شویم، به سادگی می توانیم مقصودمان را راحت تر بیان کنیم.
همچنین ممکن است یک منطقه در مرکز علاقه داشته باشید که از اهمیت بیشتری برخوردار است. اینجا است که وجود عناصر طراحی بسیار حیاتی است. به کارگیری لبه سخت در مکان مناسب، استفاده هوشمندانه از شدت رنگ و خطوطی در مناطق دیگر نقاشی که به آن نقطه اشاره می کنند، همگی می توانند مرکز توجه را تقویت می کنند و چشم بیننده را به جایی که می خواهیم هدایت کنند.
در اینجا نسخه اولیه ای از یک نقاشی را داریم. در پشت این گل ها یک ساختمان وجود دارد. مسئله این است که ساختمان و گل زنبق با هم برای جلب توجه در رقابتند و این باعث ضعف نقاشی می شود. البته بخشی از علت این حواسپرتی ساختمان و پنجره هستند که در بد جایی قرار گرفته اند.

بنابراین من چند سال بعد دوباره روی پس زمینه کار کردم و فهمیدم چه چیزی اشتباه بوده است.

بوته های تیره پشت سمت راست گل کنتراست رنگ خوبی ایجاد کرده اند. من چند گل زنبق دیگر برای ایجاد هارمونی به پس زمینه اضافه کردم که البته سادگی تصویر حفظ شده است . زنبق ها تغییرات بسیار جزئی و حس تازگی و طراوت را به وجود آورده اند و به راحتی کنترل مرکز توجه در ذهن بیننده را در دست گرفته اند.
این نقاشی جذاب تر شد زیرا من بر یک نکته اصلی تأکید و هر چیز دیگری را هم که برای تقویت آن مضمون اصلی لازم بود ، طراحی کردم.
وحدت/واریته/هارمونی
آیا همه قسمت های ترکیب بندی طوری به نظر می رسند که انگار به هم تعلق دارند یا حس می کنید چیزی سر جایش نیست و ناشیانه در ترکیب جای گرفته است؟
ظاهرا در یک نقاشی اشاره به مواردی که با هم سازگار نیستند بسیار آسان تر از توصیف این است که چه چیزی در هارمونی با بقیه اجزاست.
وقتی یک نقاشی کامل شد، اگر حس کردید چیزی لازم نیست اضافه شود یا تغییر کند، پس هارمونی دارد.
نقاشی زیر چندین جلسه فکرم را درگیر کرد، چند بار آن را کنار گذاشتم و به چیزهایی که لازم بود اصلاح شوند فکر کردم. من حتی آن را به یک گالری فرستادم و بعد وقتی فهمیدم آن حسی که باید را به من نمی دهد، خواستم تا آن را برگردانند. این تصمیم برای یک نقاشی به بزرگی 36* 48 کار آسانی نیست.

نقاشی در اولین بار دو مشکل داشت. مسیر بیش از حد بزرگ و حواس پرت کننده بود. من نقاشی را به دو نیم تقسیم کردم. کلبه تناسب نداشت و به خاطر پر نور بودن صحنه، کمی ترسناک به نظر می رسید.

بار دوم، قله سقف انبار را از تیزی در آوردم، یک آلونک در سمت چپ اضافه کردم ، مسیر را جمع کردم و برگ های پر رنگ بیشتری اضافه کردم. همچنین با یک برس خشک کمی برگ بنفش کم رنگ به تمام شاخ و برگ ها اضافه کردم تا درختان از هم فاصله بگیرند و فضا باز تر به نظر برسد.
هر چند هنوز باید روی کلبه کار می شد. خیلی پر رنگ بود و با درختان هارمونی نداشت. مسیر هم خیلی مشخص و پر رنگ احساس می شد.
بنابراین، من دوباره دست به کار شدم . . .
و در نهایت با کمی تغییر، قلم موهایم را کنار گذاشتم چون حسی که نقاشی به من می داد، خوب بود. من چیزی نمی دیدم که به نظر ناسازگار و خارج از هارمونی باشد.

وحدت همه عناصر طراحی را به هم گره می زند و در نهایت همه چیز منطقی و سازگار به نظر می رسند به طوری که ما احساس می کنیم آن ها به هم تعلق دارند.
البته ایجاد وحدت بیش از حد هم ممکن است نقاشی های مان را استاتیک و کسل کننده کند. اینجاست که تنوع یا واریته لازم است.
ما می خواهیم نقاشی هایمان را با واریته های مختلفی از بافت ها، تغییرات درجه حرارت رنگ، کنتراست نور و سایه، جابه جایی رنگ، رقیق و غلیظ کردن رنگ طراحی کنیم. همه این ها چیز هایی هستند که نقاشی را از یکنواختی در می‌آورند.
از طرف دیگر، تنوع بیش از حد ممکن است آشفتگی و شلوغی ایجاد و بیننده را خسته کند. وقتی توازن و تنوع مطبوعی داشته باشیم، مناطقی که لازم است توجه بیننده را جلب کنند بیشتر به چشم می‌آیند و سایر زمینه ها اجازه می دهند چشمان مخاطب استراحت کند.
نکته دیگری که باید به خاطر داشته باشید اینست که وقتی پیام ما با روش ها یا تکنیک های استفاده شده برای ایجاد آن پیام از بین برود، مسلما هارمونی از بین می رود. مثلا کتابخانه ای را تصور کنید که در آن موسیقی هوی متال پخش شود.
شاید به كتابدار گفته می شود كه باید برای مراجعین موسیقی ملایم پخش شود، اما دلیل آن توضیح داده نمی شود. بدون درک چرایی یا هدف از این کار، خیلی راحت می شود خطا از کتاب دار سر بزند.
هر چه تصویر ذهنی تان واضح تر باشد، توصیف و بیان آن بهتر انجام می شود.
به همین دلیل باید هر چقدر می توانیم درباره چرایی و چگونگی اصول و عناصر هنر و طراحی که به ما کمک می کنند، یاد بگیریم. وقتی تواناییمان بیشتر شد، یاد می گیریم که چگونه پیاممان را هوشمندانه و با قدرت ترسیم کنیم.
تعادل
من آنچه ریچارد اشمید در مورد تعادل می گوید را دوست دارم: “اگر بتوانم توصیف کنم که چرا یک عکس از نظر من متعادل نیست، دقیقا راه حل اصلاحش را با همان چیزی که مرا آزار می دهد به خودم نشان داده ام. اگر از چیزهایی که کنار گذاشته و آن ها را رد کرده ام ناراضی هستم، می توانم آن ها را به مرکز یا طرف دیگر یا هر جایی که می خواهم منتقل کنم. جای مناسب و ایده آل برای قرار دادن چیز ها وجود ندارد مگر آن هایی که به نظر خود من بهترین است”.
سالیان متمادی در مورد نحوه تعادل بخشیدن به یک نقاشی خیلی بحث شده است. هر نقاشی یک چالش جدید و یک معمای منحصر به فرد است که نیاز به طرز فکری جدید و یک رویکرد تازه برای ایجاد تعادل دارد.
هیچ فرمول خاصی هم وجود ندارد.
9 باور غلط راجب نقاشی
به خاطر داشته باشید که تعادل بر خلاف فرمول، بیشتر بر پایه احساس به وجود می‌آید. اگر احساس می کنید چیزی نادرست است، یا فرد قابل اعتماد دیگری حس می کند تعادل وجود ندارد، آن را برطرف کنید.
من دوباره به نقاشی قبلی آلونک را اضافه کردم زیرا این طور احساس می شد که برای متعادل کردن کلبه به چیزی نیاز است. اما چرا؟ من فهمیدم که می خواهم به جای یک کلبه منزوی تنها که در جنگل رها شده است ، این حس به وجود بیاید که خانه مسکونی در آنجا واقع است.

تضاد ( کنتراست )
کنتراست مربوط به تفاوت بین عناصر بصری در یک نقاشی است. نه این که عناصر با هم فرق داشته باشند بلکه نحوه جایگذاری آن ها در کنار یکدیگر باعث می شود آن اختلافات نسبتا بیشتر به نظر برسند.
همانطور که می دانیم کنتراست نه تنها با روشنایی و تاریکی سر و کار دارد بلکه به هر یک از عناصر طراحی که قبلا ذکر شد هم ربط دارد. قرمزی که در کنار سبز قرار می گیرد باعث افزایش اشباع یا خلوص هر رنگ می شود، زیرا آن ها مکمل هم هستند.
در نقاشی زیر، من از کنتراست زرد و بنفش استفاده کردم تا تأثیر کنتراست را در برگ ها به طرز ناخوشایندی افزایش دهم.

در این جا نقاط کوچکی از بنفش کمرنگ در کنار برگ زرد وجود دارد.

این کنتراست کم به جدا شدن برگ های زرد از مناطق سبز و نارنجی رنگ کمک می کند و زرد را بیشتر برجسته تر می کند.
کنتراست می تواند اشکال بزرگ و کوچک، شدت تاریکی و روشنی رنگ، لبه های سخت و نرم، فضا های منفی و مثبت، بافت های خشن و صاف باشد. محدودیتی در چگونگی ایجاد کنتراست در نقاشی وجود ندارد.
این تضادها برای ایجاد نقاط مورد علاقه بسیار مهم هستند. از آن ها برای جلب توجه بینندگان به نقطه ای از نقاشی استفاده می شود. به همین دلیل، تضادیکی از اصول طراحی است که هنرمندان بیشتر از آن استفاده می کنند.
حرکت و ریتم
ما معمولا می خواهیم بیننده مناطق حاشیه ای و اطراف نقاشی های ما را هم ببیند . چه یک نقطه کانونی داشته باشیم و چند تا، هدف ما اینست که کل نقاشی بیننده را درگیر خودش کند.
حرکت یک نقاشی با استفاده از عناصری مثل خط، شکل، بافت یا ضربه های قلم مو به صورت منظم که چشمان بیننده را با حرکات خاصی مثل رقص به حرکت در می‌آورد، به وجود می آید.
آموزش گام به گام نقاشی یک نیم رخ چهره فانتزی
” شب پرستاره ” ون گوگ یکی از قوی ترین نمونه های ریتم در نقاشی است، زیرا ضربات قلم مو چرخشی اش بیننده را به صورت ملودیک در کل نقاشی به دنبال خودش می کشاند.

شدت رنگ موضعی (Local tone)
جهت نور واضح و خاصی در نقاشی وجود ندارد. این ویژگی بر روی رنگ محلی متمرکز است که خیلی تحت تأثیر یک منبع نور قوی نیست. با کمبود سایه های مشخص، تصویر صاف و یکنواختن می شود. تصویر همچنین از 3 ارزش رنگ اصلی، روشن، متوسط ​​و تاریک تشکیل شده است. ارزش رنگ متوسط ​​به روشن یا تیره نزدیک تر است و در نهایت یکی ارزش غالب خواهد بود.
نیکلای فچین در تابلو های منظره اش از اصل شدت رنگ محلی استفاده کرده است.

در نقاشی نیکلای ( نقاشی بالا) ازرش رنگ یا همان درجه تیرگی رنگ متوسط ​​به آسمان، تپه، گیاهان و پیش زمینه که قسمت عمده ای از نقاشی را پوشانده است ، اختصاص یافته است. او اطراف را تیره تر کرده و نقاشی را با صخره ها و تخته سنگ ها را به صورت برنز روشن در آورده است.
ریچارد اشمید هنرمند دیگری است که از این ویژگی فوق العاده استفاده می کند (نقاشی زیر)

آموزش تناسبات آناتومی بدن انسان
اثر یکنواخت سازی
یک منطقه مهم یا نقطه کانونی مشخص وجود ندارد. تمرکز این نقاشی ها به جای ساختن پیام، داستان یا مکان، بر روی تشدید این اثر است. این ویژگی مربوط به بافت، حرکت و تأثیر روانی آن بر بیننده است.
جکسون پولاک به خاطر اثر یکنواخت سازی اش مخصوصا در نقاشی های چکه ای اش مشهور است. در این نقاشی ها هیچ مرکز علاقه مشخصی وجود ندارد و بیننده با آن از طریق حس انرژی و حرکت ارتباط برقرار می کند.

یکنواخت سازی به معنای این نیست که ارزش رنگ، بافت یا رنگ در کل اثر یکسان باشد . اگر از رنگی استفاده شود و مثلا قطره ای زرد در یک ناحیه چکانده می شود، آن رنگ زرد یا هر رنگ دیگر مشابه آن در سایر مناطق اطراف نقاشی استفاده شود، بدون این که زرد در یک جا بیشتر از دیگری باشد.
هر رنگ، ارزش یا شکل (مثل تنه های درخت نقاشی بالا می بینید) واریته ای دارد. آن ها به جهات مختلف کج شده اند و عرض ها و فرایند رنگ آمیزی متفاوتی دارد. اما توجه داشته باشید که هیچ تنه ای مهم تر از دیگری نیست.

مثال دیگر این است که نقاش از ضربات سریعی قلم موی رنگی با ارزش رنگ یکسان از بالا تا پایین بوم برای خلق فرشی از برگ های افتاده روی زمین استفاده کرده است. همانطور که می بینید برگ های عقبی بین درختان و سمت بالای بوم کوچک تر می شوند، اما ارزش رنگ و فرایند رنگ آمیزی اساسا ثابت می مانند.
انواع ترکیب بندی
گشتالت
گشتالت به معنای ” کل یکپارچه” یا شکل کلی یکپارچه است که اجزای آن با هم مرتبط هستند. ما می خواهیم جهانی که می بینیم اتحاد و ساختار داشته باشد. مغز ما تمایل دارد هرج و مرج بصری را با گروه بندی عناصر مشابه به صورت دسته هایی مثل مجاورت، شباهت، بستار و استمرار سر و سامان دهد.
مجاورت
هرچه اشیا نزدیکتر به هم قرار بگیرند، به احتمال زیاد بیشتر از اشکال جداگانه و منفرد به عنوان یک گروه یا الگوی واحد، یا حتی به عنوان یک موجودیت واحد دیده می شوند.
این بدان معنا نیست که آن ها باید یک شی در نظر گرفته شوند. مجاورت می تواند مثل نقاشی “خلقت آدم” میکلانژ، تنش و آشفتگی هم ایجاد کند. وقتی انگشتان خدا و آدم به هم نزدیک می شود و تقریبا هم دیگر را لمس می کنند، میکلانژ از مجاورت برای یکپارچه کردن نگاره ها و ایجاد تنش پویا و تصویرسازی قدرتمند استفاده می کند.
شباهت
شباهت دقیقا همانطور که باز نامش پیداست، وقتی رخ می دهد که اشیا یا عناصری که می بینیم شبیه هم به نظر برسند. وقتی خصوصیاتی مثل رنگ ، بافت، شکل، اندازه، ارزش رنگ یا جهت در یک نقاشی تکرار می شوند، به دلیل شباهت وحدت ایجاد می کنند.
برگ های پهن نیلوفر آبی در نقاشی زیر به یکسان سازی طراحی نقاشی کمک می کند زیرا از نظر رنگ، شکل، اندازه و بافت به یکدیگر و سایر اشیا مثل علف ها و برگ ها شبیه اند.

بستار (اصل محصور شدن)
وقتی شکل یا جسمی آشنا مثل مربع یا دیوار ساختمان را می بینیم که توسط بوته گل یا پرتوی نوری مخدوش شده، مغز ما خط شکسته را کامل می کند یا شکل را محصور می کند.
نقاشی فوق نیز نمونه ای از بستار است زیرا ذهن ما خطوط منحنی برگهای نیلوفر آبی را حتی در صورت همپوشانی با برگ دیگر، کامل می کند.
استمرار یا تداوم
ساده ترین راه برای تصور این اصل، تجسم زمانیست که فردی به جهتی خاص نگاه می كند. این حالت می تواند با خیره شدن به یک جهت خاص در نقاشی هم به وجود بیاید . چشم بیننده تمایل دارد مسیری که قرنیه به آن خیره شده را دنبال کند. یعنی یک خط ضمنی ایجاد می شود که بیننده آن را دنبال می کند. در این صورت حرکت چشم ما از یک شی به شی دیگر استمرار پیدا می کند.
من اغلب در نقاشی هایم این اصل را با قرار دادن دسته ای شاخ و برگ به صورت پشت سر هم برای راهنمایی چشم بیننده پیاده می کنم.
تفاوت بین طراحی و نقاشی چیست؟
در نقاشی زیر ، شاخه مورب در سمت راست پایین برای اشاره و ایجاد یک خط ضمنی استفاده شده تا خط دید بیننده را به شاخه های درختان سمت چپ نقاشی هدایت کند.

رابطه سوژه و زمینه
این اصل به جداسازی ( یا نبودن ) شی کانونی (یا فضای مثبت) و پس زمینه (یا فضای منفی) اشاره دارد.
تصویر زیر نشان می دهد که شکل و پس زمینه به راحتی می توانند اشتباه گرفته شوند.

وظیفه ما به عنوان هنرمند این است که اطمینان حاصل کنیم بین زمینه و موضوع اصلی مان تمایز واضحی وجود دارد تا از سردرگمی بصری جلوگیری شود. مگر این که بخواهیم به طور عمدی برای ایجاد یک اثر خاص آن اصل را نادیده بگیریم.
نقاشی به نام بو دولیتل در نقاشی هایش هوشمندانه سوژه و پس زمینه را ترکیب می کرد.

قانون یک سوم
احتمالا در مورد این نسبت یا قانون که در بین نقاشان و عکاسان بسیار محبوب است، چیز هایی شنیده اید.
البته من از طرفدارانش نیستم! بگذارید دلیلش را توضیح بدهم.
در قانون یک سوم، شما نقاشی تان را با دو خط عمودی و دو خط افقی به 9 مستطیل یکسان تقسیم می کنید. یا به عبارت ساده تر، آن را به یک سوم تقسیم می کنید .

هدف این است که مرکز مورد علاقه تان را نزدیک یا در یکی از نقاط تلاقی (نقاط قرمز) قرار دهیم . این کار روشی آسان برای نگه داشتن مرکز توجه در موقعیت نامتقارن (یا نقطه ای که از دید بیننده جالبتر از وسط است) می باشد.
بنابراین، بیایید این صحنه زمستانی که من در یک روز سرد در نزدیکی سلما گرفتم را در نظر بگیریم.

ببینید خط افق چقدر نزدیک به وسط تصویر است. برای اکثر هنرمندان انجام این کار، دشوار است . از طرفی جاده هم تقریبا نزدیک به مرکز عکس است.
قانون یک سوم با عوض کردن خط افق با یکی از خطوط تقسیم به ما کمک می کند تا ترکیب جذاب تری ایجاد کنیم. در مرحله بعد ما می توانیم جاده را به نقطه تلاقی نزدیکتر کنیم.

یا می توانیم افق را به سمت پایین و جاده را به سمت راست منتقل کنیم.

ممکن است این سوال برای تان پیش بیاید که “اگر قانون یک سوم باعث جذابیت بیشتر ترکیب ها شود ، پس مشکل چیست؟”
مشکل من این است که این نوع ترکیب بندی یک فرمول است ! وقتی از فرمول استفاده می کنیم چه اتفاقی می افتد؟ ما تفکر خلاقانه خود را از دست می دهیم و تصاویری خلق می کنیم که شبیه دیگران است.
اگر بخواهیم طرح های تکراری و خسته کننده بسازیم، قانون یک سوم می تواند به عنوان یک ایده آماده به کارمان بیاید. ما می توانیم به محل قرارگیری نقطه کانونی تصویرمان نگاه کنیم تا ببینیم آیا تغییر مکان به موقعیت نامتقارن تر می تواند کمک کند یا خیر.
آموزش گام به گام طرز ترسیم چهره
یادتان باشد که در جذاب ترین نقاشی ها به ندرت از فرمول یا چنین صفحه مشبکی استفاده می شود. گزینه های بسیار زیادی وجود دارد که می توانیم خودمان را محدود به آن ها کنیم.
این مسئله ما را به تقارن حرکتی می رساند که مثل یک زگیل به ظاهر خوش خیم است که درست در نوک بینی هنر رشد می کند.
تقارن حرکتی
این نسبت های ریاضی برای یافتن ترکیب بندی هایی با نسبت مطلوب به کار گرفته می شوند.
در ادامه مثالی از تقارن حرکتی آورده شده است:

وقتی خط اصلی ( یا همان خط بلندتر ) از سمت چپ پایین به گوشه سمت راست بالا می رود به آن خط اریب باروک گفته می شود و وقتی از راست به چپ می رود به آن مورب چپ یا (sinister) گفته می شود.
عکاس و نقاش بسیاری میرون بارنستون را به دلیل آشنا کردن آن ها با کاربرد تقارن حرکتی تحسین کرده اند.
دگاس در نقاشی اش (تصویر زیر )، بالرین ها را در راستای خطوط مورب باروک و چپ قرار داده تا بر عمل و حرکت شان تأکید کند. محل تلاقی خطوط به نکته مهمی اشاره دارد.

خط مورب باروک و مورب چپ در روشن ترین نقطه با هم برخورد می کنند.
البته من فکر نمی کنم که دگاس مستطیل های طلایی روی بوم هایش را برای طراحی نقاشی هایش رسم کرده باشد.
مخصوصا این که تصویر بالا بخشی از یک نقاشی بزرگ تر (زیر) است که با آن سری خطوط مورب تناسب ندارد.

هنگام تحقیق در مورد تقارن حرکتی مراقب باشید. من متوجه شده ام که افرادی هستند که آثار هنری مدرن یا تاریخی را برداشته و آن ها را در یک صفحه مشبک قرار می دهند تا نشان دهند هر هنرمند دقیقا چطور از تقارن حرکتی برای مسحور کننده کردن کارش استفاده می کند. آن ها اصرار دارند که همه آثار هنری بزرگ از این الگو پیروی می کنند.
به نظر می رسد که اگر از خطوط کافی استفاده کنیم ، سرانجام به هر یک از نقاط اصلی یک نقاشی برخورد خواهیم کرد. اما آیا این کار واقعا به یک نقاش می آموزد که چطور وقتی در طبیعت می ایستد، یک ترکیب قدرتمند طراحی کند؟
12 تا از نکات نقاشی با مداد رنگی (برای مبتدی ها و حتی حرفه ای ها)
ده ها (یا صد ها) قالب وجود دارد که می توانید بخرید و استفاده کنید. آن ها به شما کمک می کند ترکیب بندی کاملی بسازید. این شبکه ها می توانند بسیار پیچیده و اساسی باشند. مطمئنا اصولی و منطقی هم هستند، مخصوصا که بسیاری از آن ها از روابط ریاضی منطقی که در مستطیل های ریشه برقرار است، استفاده می کنند.
به گفته افرادی که این الگوها را می فروشند، اگر پیچیدگی های تقارن حرکتی را یاد بگیرید، با ترکیب بندی های قدرتمند مبتنی بر قواعد ریاضی به یک الهه در دنیای هنر تبدیل خواهید شد.

شاید روزی نسبت های ریاضی همه چالش های طراحی هنرمندان را برطرف کنند، اما پس از چند هزار سال استفاده از آن ها، هنوز این اتفاق نیفتاده است. با اینکه نسبت های طلایی از هزاران سال قبل وجود داشته اند، اما عبارت تقارن حرکتی اولین بار در اوایل سال 1900 توسط یکی از شاگردان ویلیام مریت چیس ابداع شد.
میانگین ​​طلایی و اعداد فیبوناچی
این دو رابطه نزدیکی با خصوصیات تقارن حرکتی دارند.
میانگین طلایی که به آن نسبت طلایی، مستطیل طلایی یا مقطع طلایی هم گفته می شود ، همان نسبت 1 به 1.618 است.
تصویر زیر اثر مایکل ورکمن یکی از طرفداران به کارگیری میانگین طلایی در نقاشی است.
این نقاشی فوق العاده است اما تصور اینکه ورکمن چطور از میانگین طلایی برای تعیین محل قرارگیری هر عنصر در کارش استفاده کرده، سخت است. البته علت آن واضح است زیرا من یک هنرمند هستم، نه یک ریاضیدان.
اما بیایید دست به کار شویم و این تصویر را کمی دستکاری کنیم. اگر ما یک مارپیچ فیبوناچی ( که تقریبا یک مارپیچ طلایی است) را روی این نقاشی قرار دهیم، مثل شکل زیر می شود.

یا می توانیم آن را به این صورت وارونه کنیم.

قانون یک سوم چه می شود؟

بله، نقاط تقاطع در بالای بلندترین کوه، انحنای جاده در پایین سمت راست و انحنای جاده برفی در سمت راست قرار گرفته اند.
اما در مورد سایر موارد مثل تپه کوچک در سایه سمت چپ، محل قرارگیری هر یک از ساختمان ها و درختان یا 3 خط افقی که هیچ کدام با خط تقسیم تقسیم همپوشانی ندارند، چطور؟ چطور بفهمیم که آن ها را باید کجا قرار دهیم؟
به هر حال این تقسیم بندی که ممکن است طبق یک سری محاسبات خاص که ما نمی بینیم یا نمی فهمیم انجام شده باشد، از زیبایی اثر کم نمی کند. این نشان می دهد حتی کسی که این نسبت را ترویج می کند می تواند اثری شگفت انگیز خلق کند و نسبتها را به حاشیه براند.
حتما بخوانید: روانشناسی رنگها: هر رنگ چه معنایی دارد و چه تاثیری بر فرد می گذارد؟
جمع و تفریقهای زیادی هست که می توانیم برای نقاشی هایمان انجام دهیم. گاهی اوقات کسانی را می بینم که طبق فرمول رنگ آمیزی می کنند، نقاشی می کشند که در نهایت بخشی از روش کاری شان می شوند و به آن شیوه عادت می کنند.
کمی فکر کنید، حتی اگر نقاشی تان را با یک فرمولاسیون کامل و بی نقص بکشید، آیا از آن راضی خواهید بود و به دلتان می نشیند؟ به نظر من نقاشی به خاطر چالش بر انگیز بودن و خلاقیتی که در آن به کار گرفته می شود، سرگرم کننده و جذاب است.
با این حال داشتن برخی دستورالعمل ها می تواند به تشخیص اینکه چرا چیزی درست در نمی‌آید، کمک کند. بخش بعد به کسانی تعلق دارد که هنوز هم دوست دارند درباره اعداد فیبوناچی بیشتر بدانند.
اعداد فیبوناچی را به میانگین طلایی تبدیل کنید
ساده ترین راه برای نشان دادن میانگین طلایی، استفاده از مستطیل الهام گرفته از اعداد فیبوناچی است. اعداد فیبوناچی بسیار جالب هستند، مخصوصا وقتی در یک مستطیل شطرنجی قرار بگیرند.

اول با یک مستطیل 7.6* 5 سانتیمتری شروع کنید و آن را به صورت شکل بالا تقسیم بندی کنید .
سپس می توانیم صفحه شطرنجی را حذف کنیم:

حتی می توان یک مارپیچ مثل مارپیچ طلایی معروف هم اضافه کرد:

اعداد و مارپیچ های فیبوناچی در بسیاری از مخلوقات خدا مثل میوه آناناس ، مخروط های کاج و گل ها دیده می شود.
از طرفی مارپیچ طلایی در طبیعت آن طور که اغلب درباره اش شنیده ایم ، نمی گنجد. طبیعت آن طور که ترکیب بندی ها در یک چارچوب دقیق و غیر قابل انعطاف محصور می شوند، در یک قالب نمی گنجد.
هرکدام از این فرمولهای و محاسبات ریاضی برای طراحی هایتان چه کاری انجام می دهد؟
راهنمای کامل: آموزش رنگ و نور در نقاشی (متوسط-پیشرفته)
شما می توانید از مستطیل، اعداد فیبوناچی ، مارپیچ و مقاطع طلایی استفاده کنید تا جهت تقریبی قرارگیری دینامیکی اشیا، خطوط و اشکال در نقاشی هایتان را به شما نشان دهد . اگر نقاشی شما خسته کننده و بی روح به نظر می رسد، می توانید بررسی کنید ببینید که آیا انتقال بعضی چیزها برای مطابقت با تقارن حرکتی به بهتر شدن آن کمک می کند یا خیر.
کلام آخر
لازم نیست درباره نظریه ها و جزئیات ” قواعد” یا دستورالعمل های ترکیب بندی وسواس به خرج بدهید. هنگامی که به درک مناسبی از آنچه در این مقاله گفته شد رسیدید، می توانید به کار تان ادامه دهید و از غرایزتان پیروی کنید.
به نظر ریچارد اشمید اکثر ترکیب بندی ها به ندرت تمام عناصر طراحی را در بر دارند . مثلا بسیاری از نقاشی ها از توده های بزرگ ساده، خطوط لازم یا حتی یک الگوی قابل توجه برخوردار نیستند، اما ما آن ها را دوست داریم .
منبع1 منبع2